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IMAGE OUVERTE 2024 #1
FESTIVAL
du 1 au 4 février
RENCONTRES ATELIERS EXPO
du 16 février au 31 mars
Paris 10
Un festival conçu pour interroger notre rapport aux images, au-delà des cadres narratifs traditionnels. Images hors-cadre, qui bouleversent les codes normatifs et nous donnent accès à une vision plus ouverte. Images qui se connectent à notre réalité complexe, à notre corps dans l'espace public, à notre société multidimensionnelle et stratifiée, où le rapport entre humain et non humain est en train de se redéfinir. Images cinématographiques qui établissent un dialogue avec d'autres disciplines comme la photographie, la performance, l'illustration, la danse. Le thème que j'ai imaginé pour cette première année est l'intimité avec le monde, à partir d'une réflexion de la théoricienne bell hooks “J’ai opté pour l’intimité. Et il n’y a qu’une seule façon de rester intime : relier ce que je fais ici, aujourd’hui dans cette position, à ce qui se passe là-bas, dans cette autre position." Le festival se déroulera entre l’espace The Window et l’espace rue. La vitrine sera l'espace de connexion entre l'intérieur et l'extérieur, un cadre frontière qui permet une réflexion sur le temps et le changement, un lieu d'ouverture du regard, un écran, une frontière fluide entre le cinéma et les autres disciplines.
IMAGE OUVERTE
PROGRAMME
FESTIVAL
jeudi 1 février 2024
Plan(te)s pour le futur
17h30 – Café O'Gustave
Vernissage
Expérimentations Ouvertes VR
Espace réalité virtuelle
- SURFACING, Rossella Schillaci, Italie, Portugal, 2022
- COMFORTLESS, TEARLESS, BLOODLESS, trilogy by Gina Kim, Corée, 2017-2023
- MEDINITALY, Roberto Malfagia, Italie, 2021
- CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth, Etats Unis, 2022
présenté par Elisa Scarpa, en collaboration avec Ennesimo Festival
18h00 – The Window
Expérimentations Ouvertes
films /Eau, rituels, ruptures
- AL BORDE DEL AGUA, Iñigo Salaberria, Maria Elorza, Espagne, 2023
- THE COAST, Sohrab Hura, Inde, 2021
- APHOTIC ZONE, Emilja Skarnulyte, Lituanie, 2023
présentation Tea Paci
19h30 - L'Archipel
Societé Ouverte
films /Espaces en fibrillation
- 24 HEURES SUR PLACE, Ila Béka et Louise Lemoine, France, 2016
Q&R avec Vincent Hertenberger de l'agence TVK conduit par Manel Pons Romero
21h30 – L'Archipel
Societé Ouverte
films /Espaces en fibrillation
- DANCING ON THE EDGE OF THE VOLCANO, Cyril Aris, Liban, 2023
vendredi 2 février 2024
États de l'être volatils
17h30 – The Window
Ateliers Ouverts
Balade INFRA-ORDINAIRE avec Manel Pons Romero
(inscriptions par email)
18h30 – Café O'Gustave
Expérimentations Ouvertes VR
Espace réalité virtuelle
- SURFACING, Rossella Schillaci, Italie, Portugal, 2022
- COMFORTLESS, TEARLESS, BLOODLESS, trilogy by Gina Kim, Corée, 2017-2023
- MEDINITALY, Roberto Malfagia, Italie, 2021
- CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth, Etats Unis, 2022
présenté par Elisa Scarpa, en collaboration avec Ennesimo Festival
18h30 – The Window
Expérimentations Ouvertes
films /Absence, mémories, fantômes
- ABSENT LANDSCAPES, Myriam Rey, France/Syrie, 2023
- CORTOCIRCUITO, Valentina Manzoni, Italie/Suisse, 2021
- LUI E IO, Giulia Cosentino, Italie, 2021
Q&R avec les 3 réalisatrices conduit par Tea Paci
20h30 – The Window
Societé Ouverte
films /Désirs
- CHORALE, Arianna Lodeserto, Italie, 2023
Q&R avec la réalisatrice conduit par Ludovica Fales
21h30 – The Window
Societé Ouverte
films /Désirs
- FREE BULLET, Catherine Detournay et Paulina Pisarek, France, 2014
Q&R avec les réalisatrices conduit par Stefano Missio
samedi 3 février 2024.
Déplacements
11h00 – The Window
Ateliers Ouverts
INTIMITÉ AVEC LE MONDE avec Carole Quettier
(inscriptions par email)
16h00 – The Window
Ateliers Ouverts
DESSINER LE CINÉMA avec Valentina Restivo
(inscriptions par email)
18h30 – Café O'Gustave
Expérimentations Ouvertes VR
Espace réalité virtuelle
- SURFACING, Rossella Schillaci, Italie, Portugal, 2022
- COMFORTLESS, TEARLESS, BLOODLESS, trilogy by Gina Kim, Corée, 2017-2023
- MEDINITALY, Roberto Malfagia, Italie, 2021
- CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth, Etats Unis, 2022
présenté par Elisa Scarpa, en collaboration avec Ennesimo Festival
18h30 – The Window
Expérimentations Ouvertes
films /Extinctions, évolutions, rêves
- THE HEART OF A TREE, Clare Langan, Irlande, 2020
- LAST THINGS, Deborah Stratman, Etats Unis, France, Portugal, 2021
Q&R avec Clare Langan conduit par Tea Paci
20h30 – The Window
Societé Ouverte
films /Communautés
- WHAT WE SHARED, Kamila Kuc, Royaume Uni / Abkhazie, 2021
Q&R avec la réalisatrice conduit par Ludovica Fales
22h00 – The Window
Societé Ouverte
films /Communautés
- HIJXS DE LA REVOLUCIÓN, Rodrigo Vazquez, Colombie, 2023
dimanche 4 février 2024
Récits excitables
14h00 – The Window
Ateliers Ouverts
Table ronde sur les NOUVEAU CADRES DE REPRÉSENTATION
(inscriptions par email)
15h00 – The Window
Ateliers Ouverts
FAIRE DU CINÉMA, TRAVAILLER LA TERRE, HABITER LE MONDE avec Giovanni Cioni - Projection L'ORTO DEL MONDO, film collectif, Italie, 2023
Q&R
(inscriptions par email)
18h00 – Café O'Gustave
Expérimentations Ouvertes VR
Espace réalité virtuelle
- SURFACING, Rossella Schillaci, Italie, Portugal, 2022
- COMFORTLESS, TEARLESS, BLOODLESS, trilogy by Gina Kim, Corée, 2017-2023
- MEDINITALY, Roberto Malfagia, Italie, 2021
- CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth, Etats Unis, 2022
présenté par Elisa Scarpa, en collaboration avec Ennesimo Festival
18h00 – The Window
Expérimentations Ouvertes
films /Initiation, discours insurrectionnel, désirs
- SPEWKING RYBAWDY, Melanie Jackson, Royaume Uni, 2020
- THE FEAR OF LEAVING THE ANIMAL FOREVER FORGOTTEN UNDER THE GROUND, Janis Rafa, Royaume Uni, 2021
- PARALLEL URBANISMS, Jaspar Joseph-Lester, Royaume Uni, 2023
20h30 – The Window
Societé Ouverte
films /Déconfinements
- THE OBSERVER de Rita Andreetti, Chine, 2022
22h00 – The Window
Societé Ouverte
films /Déconfinements
- DE LA PLANÈTE DES HUMAINS de Giovanni Cioni, Italie, 2022
Q&R avec le réalisateur conduit par Ludovica Fales
programme festival
L.A PARTICIPATION AUX FILMS ET AUX ATELIERS EST LIBRE
sections festival détail
IMAGE OUVERTE
LES SECTIONS
EN DÉTAIL
Expérimentations Ouvertes VR
SURFACING, Rossella Schillaci / du 1 au 4 février / 17h30 / Café O'Gustave
Rossella Schillaci
Mybosswas & Laranja Azul
Italie, Portugal, 20’, 2022
Un récit de fées immersif à 360°, se déroulant parmi des mères et des enfants vivant en prison. Un voyage magique dans leur vie quotidienne, avec des animations de leurs souvenirs surréalistes du passé et de leurs rêves du futur, créés grâce à un processus collaboratif.
« Lorsque j'ai visité pour la première fois un nouvel institut de garde douce pour mères et enfants vivant ensemble en prison, des sons inattendus se sont infiltrés dans mes oreilles sans me laisser le temps de me préparer. Les cris, les alarmes, les portails grinçants, les portes qui s'ouvrent et se ferment créent une atmosphère particulière où l'environnement ne s'accorde guère à ce que les yeux peuvent percevoir. [...] En étroite collaboration avec les protagonistes, mères et enfants, nous avons construit un documentaire expérimental pour exprimer leurs points de vue et leur sens de l'espace en confinement. Mais nous voulons aussi montrer leurs fantasmes d'évasion, les abris, les peurs et les rêves. Des émotions et des désirs universels et qui concernent l'enfance de chacun de nous.» - Rossella Schillaci, réalisatrice.
Rossella Schillaci
Rossella est réalisatrice et anthropologue visuelle. Après avoir terminé son master à Manchester, elle réalise plusieurs documentaires, primés et diffusés sur les chaînes ARTE, RAI, SKY et Al Jazeera. Parmi ses dernières œuvres, "Les enfants en prison", coproduit et diffusé par Arte. Le film a remporté l'Étoile de la Scam, Gratuit et a été distribué au Lab 80 et projeté dans plus de 300 cinémas italiens. Rossella termine son doctorat en médias numériques. Elle est maître de conférences en anthropologie visuelle et en réalisation de films documentaires.
COMFORTLESS, TEARLESS, BLOODLESS, trilogie par Gina Kim / du 1 au 4 février / 17h30 / Café O'Gustave
BLOODLESS, Gina Kim, Corée du Sud, États-Unis, 12', 2017
Cyan Films (Gina Kim, Zoe Sua Cho, Moa Son) en association avec l'équipe BK21 Plus de la Dankook University Graduate School of Cinematic Content, Institut du contenu visuel mondial Dankook, Vente VR
TEARLESS, Gina Kim, Corée du Sud, États-Unis, 12', 2021
Mass Ornament Films, Icon Studio et Cyan Films. En coproduction avec Venta VR
COMFORTLESS,Gina Kim, Corée du Sud, États-Unis, 15', 2023
Cyan Films (Gina Kim, Zoe Sua Cho, Moa Son), Eunsuk Jo, Seunghyeun Lim, Hanjae Kim
La trilogie VR de Gina Kim constitue un des exemples les plus intéressants du potere documentaire, témoignage et dénonciation du nouveau média. Un homme féroce et intime qui mira à déconstruire une double forme de potere et de sopruso (degli uomini sulle donnes e di un popolo su un autre), qui perpetra nei villaggi sans identité chez cui abitano les travailleurs du sexe destinés à tous les basi militaires américains qu'ils occupent une vaste partie du territoire sud-coréen depuis les années 1950. Trois cortométries immersives racontent des violences et abusent de l'utilisateur catapultant dans les médias, malgré les événements de son moment immédiat, sans l'ausiliation d'informations ou la progression narrative synthétique.
Dans le premier métrage, Bloodless, suit le dernier jour de vie de Yun Keum Yi, brutalement assassiné en 1992 par un soldat américain la nuit du 28 octobre 1992 dans le village résidentiel de Dongducheon. Nous nous dirigeons vers vous et vous passiez devant les lumières du néon du bar et du club lors des soirées, sans vous éloigner de l'histoire, mais sans avoir votre stratégie de poterie. Ensuite, Gina Kim s'est rendue dans une scène de motel, avec un corps inondé de lentilles qui s'est répandue dans le sang. C'est la trace des traces de l'omicidio, qui nous témoigne a posteriori d'un point de vue impossible. Ce n’est pas seulement la stratégie d’identification et les témoignages typiques du cinéma documentaire, mais aussi le journalisme immersif, Bloodless est porté au centre d’un événement rendu invisible par la stratégie du pouvoir patriarcal et colonial. Il est alors invisible et irrécupérable que l'espace urbain soit créé pour l'exercice de la session de l'exercice américain. Gina Kim découvre un point de vue intime et personnel, possédant un spectateur libre de découvrir et d'explorer la réalité seconde, toutes les directions sont possibles à 3 niveaux de liberté. Pour soutenir ce qui se passe, c'est la nécessité de renverser les gens réels du crime, en utilisant les médias immergés pour raconter les événements de l'histoire officielle, écrits par les dominants, qui ont pris soin de chaque rapport.
Tearless est un film en réalité virtuelle sur les « femmes de réconfort militaires américaines », forcées par le gouvernement sud-coréen de servir les soldats américains dans des camps à l'extérieur des bases militaires américaines. Utilisant une technologie médiatique immersive, ce projet se concentre sur les souvenirs de ces femmes dans un centre de détention appelé « Monkey House » – une prison médicale créée par le gouvernement sud-coréen et dotée de personnel militaire américain dans les années 1970 pour isoler et traiter les femmes de réconfort militaires américaines atteintes de MST.
En 1969, un bordel à l'usage exclusif de l'armée américaine a été créé près de la base de l'US Air Force à Kunsan, en Corée du Sud. Avec l'approbation et le soutien du gouvernement coréen, environ 500 logements ont été construits et la société « American Town » . Recrutées dans tout le pays, ces femmes étaient surnommées par les autorités les « femmes de réconfort de l'armée américaine ». American Town est devenue une petite ville autosuffisante qui offrait aux soldats américains toutes les commodités qu'ils souhaitaient : change de devises, plaisirs culinaires et sexe. Un millier de soldats américains s'y rendaient chaque nuit. Tourné sur place, Comfortless est une expérience cinématographique immersive en 3D à 360 degrés de la ville américaine à son apogée dans les années 1980. Le film VR commence au présent, avec la ville vide et silencieuse. Cependant, à la tombée de la nuit, l’espace se remplit des sons du passé. Les spectateurs voyagent à travers cette mystérieuse ville déserte, guidés par un fantôme et des sons et voix ambiants d’il y a des décennies. Comfortless propose une expérience immersive de la routine quotidienne d'American Town : une archive fondamentale du passé.
Gin Kim
Gina Kim est une écrivaine et réalisatrice dont les longs métrages et les œuvres d'art vidéo ont été projetés dans plus de 150 festivals et salles de cinéma internationaux prestigieux tels que Cannes, Venise, Berlin, Locarno, Saint-Sébastien, Rotterdam et Sundance, ainsi qu'au Musée d'Histoire Moderne. Art à New York, Centre George Pompidou, Smithsonian et Musée national d'art moderne et contemporain de Corée. Salué par Le Figaro comme une « féministe intrépide qui cache une extrême sensibilité », Kim's Invisible Light (2003) a été sélectionné parmi les 10 meilleurs films de 2003 par Film Comment. Never Forever (2007), avec Jung-woo Ha et Vera Farmiga, a été la première coproduction entre les États-Unis et la Corée du Sud. Le dernier film de Kim, Bloodless (2017), a remporté le prix de la meilleure histoire VR au 74e Festival international du film de Venise, suivi d'une reconnaissance internationale et de nombreux prix et nominations. En 2018, The Hollywood Reporter a sélectionné Kim comme l'un des « 5 talents sud-coréens à surveiller ». Les films de Kim ont été sortis en salles et ont été acclamés par la critique en Europe, en Asie et aux États-Unis.
MEDINITALY, Roberto Malfagia / du 1 au 4 février / 17h30 / Café O'Gustave
MEDINITALY, Roberto Malfagia, Italie, 30’, 2021
La Jetée
MedinItaly est une expérience de méditation en réalité virtuelle se déroulant dans le paysage italien, conçue pour offrir confort et soulagement du stress quotidien.MedinItaly combine le meilleur des technologies contemporaines avec la pratique de la pleine conscience. L'objectif est de donner aux gens l'opportunité de faire l'expérience d'eux-mêmes en prêtant attention à leur respiration, en prenant conscience de leur corps et de leur état mental, en s'immergeant dans des scénarios uniques du paysage italien.
Roberto Malfagia
En 2004, il obtient un Master en techniques narratives à la Holden School de Turin, où il il a enseigné l'écriture créative et l'écriture de scénarios pour des courts métrages. Il a collaboré à des projets de narration dans le domaine du patrimoine culturel, des musées et de l'histoire du territoire et il l'a fait dans le cadre du projet de recherche "Nouveaux langages muséaux" pour Holden Art - Fondazione Intesa - St.Paul. En tant que narrateur et réalisateur, il crée des documentaires interactifs, Data Driven Stories, Expériences de réalité virtuelle et de réalité augmentée. Il a conçu et coordonné la création de installations d'art numérique génératives et interactives telles que The Sound of the Crowd, Brain
Cinéma interactif et L'image à l'heure de l'IA, explorant la frontière entre l'intelligence artificiel et humain. En tant qu'enseignant, il a collaboré avec les Universités de Parme, Ferrare, Modène et Reggio Emilia, pour des séminaires de contes. Il réalise des activités d'enseignement du récit Interactif pour IED et Polimoda Florence, Open Laboratories/Fondazione Brodolini – Formodena.
Il collabore avec le Festival dei Popoli - Florence, European Photography et le Festival Internet de Pise.
Il est consultant en médias interactifs et conception narrative pour le patrimoine pour la Fondazione Sistema Toscane, Manifatture Digitali Cinema - Toscana Film Commission, Laboratorio Dicea / Université de Florence, Centre des Musées de Toscane. Collabore avec le Département de Informatique de l'Université de Pise pour le développement de projets de narration interactive et immersif.
CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth / du 1 au 4 février / 17h30 / Café O'Gustave
CASTLE OF UNKNOWING, Damian Thorn-Hauswirth, Etats Unis, 5' 55", 2022
Castle of Unknowing est une expérience de réalité virtuelle (VR) présentée sous forme poème visuel. La réalité virtuelle étant une technologie naissante, le contenu est encore limité et les méthodes de narration ne sont pas encore formalisées. Mon film cherche à élargir l'étendue des types de récits racontés
avec ce média. Le projet est un récit immersif et expérientiel empreint de symbolisme.
Le spectateur se déplace à travers une séquence fixe alors qu'il est emmené dans un voyage qui mélange des éléments de science-fiction, de conte de fées et de surréalisme. Il utilise des visuels et des sons convaincants au lieu des traditionnels
récits, pour évoquer une réponse émotionnelle chez le spectateur. L'aspect immersif de la VR permet
la réification de visuels surréalistes qui véhiculent métaphoriquement un voyage intérieur, créant un
sentiment de mystère et d'enquête chez le spectateur. L'expérience recadre la relation de
sujet et objet, faisant du spectateur un participant à une allégorie surréaliste explorant le
thèmes de la souffrance et de la transformation.
Damian Thorn-Hauswirth
Damian Thorn-Hauswirth is a Florida-based digital artist specializing in 3D content creation. Damian attended the University of Central Florida for his undergraduate degree in Digital Media - Visual Language.
He returned to UCF and received his MFA in Animation and Visual Effects completing his virtual reality thesis film, Castle of Unknowing. He has created motion graphics for the art auction house Phillips to 3D visual effects and simulation for Lockheed Martin.
Damian has five chickens, two cats, and a small garden which he tends to while not working on the computer.
ATELIERS OUVERTS /inscriptions par email
Balade INFRA-ORDINAIRE avec Manel Pons Romero / vendredi 2 février 17h30 / The Window
Cette balade est le résultat d'un travail en résidence à The Window en 2022. A l'occasion d'Image Ouverte, cette balade sera aussi une introduction à l'infraphotographie: un nouveau regard sur la ville, une nouvelle façon de la vivre et de la partager. Une plongée dans l'invisible.
Manel Pons Romero
Barcelonais à Paris, il explore les possibilités créatives et participatives dans l'espace public depuis l'an 2000. Spécialisé dans la création in situ et très sensible aux problématiques environnementales, il développe depuis 2021 un projet de recherche photographique dans l'infra-ordinaire.
INTIMITÉ AVEC LE MONDE avec Carole Quettier / samedi 3 février 11h / The Window
La danse, abri et appui d’un mouvement intime, libre de dessiner son propre espace
bell hooks écrit : « J’ai opté pour l’intimité. Et il n’y a qu’une seule façon de rester intime : relier ce que je fais ici, aujourd’hui dans cette position, à ce qui se passe là-bas, dans cette autre position. »
Dans la préface à « Totalité et Infini », qui fait peut-être écho à la phrase de bell hooks, Emmanuel Lévinas écrit : « La violence ne consiste pas tant à blesser et anéantir, qu’à interrompre la continuité des personnes, à leur faire jouer des rôles où elles ne se retrouvent plus, à leur faire trahir non seulement des engagements, mais leur propre substance, à faire accomplir des actes qui vont détruire toute possibilité d’acte. Comme la guerre moderne, toute guerre se sert déjà
d’armes qui se retournent contre celui qui les tient. Elle instaure un ordre à l’égard duquel personne ne peut prendre distance. Rien n'est dès lors extérieur. La guerre ne manifeste pas l’extériorité et l’autre comme autre ; elle détruit
l’identité du Même… » (éd. Martinus Nijhoff, p.IX, X, 1968).
De quelle empathie s’agirait-t-il de faire preuve pour mesurer et conjurer la blessure d’une vie qui a perdu toute possibilité d’intimité ? L’intimité, ce point refuge, plus que privé, beaucoup n’y ont quasiment plus droit.
Comment la danse tenterait de s’approcher de cette zone fragile, réservée à chacun, commune à tous ? Par quelle précaution, avec quelle attention pourrait-elle rendre justice à ce qu’il y a de singulier et d’universel dans l’être. Par
quelle nature de geste, dont le corps est déjà porteur, la danse ouvrirait cet espace infime et intime avec ses forces de désarmée ?
L’atelier proposera un échauffement, une préparation douce avec une mise en mouvement attentive au corps, sensible
et en conscience ; et l’apprentissage d’une chorégraphie, simple et courte, pour disposer de quelques signes et pensées
de mouvements communs, pouvant servir d’appui pour la suite de la proposition. Un troisième temps sera consacré à l’expérimentation par l’improvisation de chemins de traverses et rêveries autour du thème de l’intime. Il sera orienté par
divers documents, extraits de textes, œuvres plastiques, offrant à chacun la liberté d’une interprétation personnelle à
vivre en solo ou conjuguant sa présence au groupe.
Carole Quettier
Carole Quettier se forme à la danse contemporaine au Conservatoire Régional de Rennes puis au CNSM de Paris, auprès de Susan Alexander, Joëlle Mazet, Peter Goss, André Lafonta, Christine Gérard et Martine Clary (1996-2001).
Entre 2004 et 2009, elle est interprète pour Hervé Robbe au CCN du Havre. En 2007, elle rencontre Daniel Dobbels, compagnie De L’ENTRE-DEUX ; elle danse chacune de ses créations et l’assiste à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, dans le séminaire sur Les rapports entre danse et arts-plastiques de 5ème année. Elle donne également de nombreux ateliers pour des conservatoires, des danseurs amateurs, des adolescents en difficulté et des personnes atteintes de handicap mental, et des cours techniques pour l’entraînement régulier du danseur à micadanses.
En 2018, elle chorégraphie le solo Midi sans paupière (création Festival Bien fait ! 2019)
Elle participe à des tournages pour Alain Fleischer et Danielle Schirman sur l’art et le design. Elle mène en parallèle un travail de recherche et création avec la plasticienne et vidéaste Elise Vandewalle, et la dessinatrice et peintre Marine Bikard.
En 2020, elle rejoint la compagnie ATMEN, Françoise Tartinville pour la création Collage et Fraction en 2021. Cette même année elle danse pour la compagnie Hekla, Eva Assayas, dans la création Dans le creux de l’absence. Elle crée sa propre compagnie LA VOLPE, et chorégraphie un second solo Mes « soudains », autour de lectures d’Henri Michaux (création Festival Faits d’hiver 2022)
En 2022 elle rejoint Anne-Sophie Lancelin, Compagnie EUPHORBIA, pour la création Le quatrième pas se fait dans la nuit, les premières auront lieu au Théâtre de Sénart et dans le cadre du Festival Faits d’hiver en janvier 2024.
DESSINER LE CINÉMA avec Valentina Restivo / samedi 3 février 16h / The Window
L'exposition sera composée de 30 illustrations tirées de "Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon" d'Elio Petri avec Gian Maria Volonté, sujet des trente planches, toutes réalisées à la gouache et à l'encre, où la caméra est très étroite sur le visage de l'acteur .
Les films avec Gian Maria Volontè ont le pouvoir de vous faire comprendre l'être humain, ses faiblesses, ses combats, son âme à travers le visage et le corps de ce gigantesque acteur. L'acte d'agir est pour Volontè un acte politique et permet une adhésion universelle à l'humanité. Car si, comme le disait Carmelo Bene, « il ne faut pas créer des chefs-d'œuvre, il faut être des chefs-d'œuvre », les personnages créés par GMV traversent l'histoire et l'imaginaire au point que l'acteur qui les incarne est au-delà de la simple représentation.
Au cours de l'atelier, en plus des illustrations du film exposées, d'autres illustrations tirées de deux autres films seront projetées : Persona d'Ingmar Bergman et Salò ou les 120 Journées de Sodome de Pier Paolo Pasolini. A travers cette introduction/présentation, nous souhaitons apporter une contribution au visionnage du film en pensant extraire le cadre du flux filmique et le réinterpréter pour comprendre la composition et la poétique de l'image.
VALENTINA RESTIVO
(Livourne, 20 mai 1983)
Après avoir obtenu un diplôme en cinéma et image électronique avec une thèse illustrée sur « Salò ou les 120 jours de
Sodoma” de Pier Paolo Pasolini, a fréquenté l'École Internationale d'Art Graphique Il Bisonte à
Florence. Il a illustré plusieurs films par pur plaisir, incarné de nombreux personnages qu'il souhaitait
fait connaissance, a participé à des expositions plus ou moins réussies et ouvre une imprimerie à domicile à
Livourne avec le photographe et partenaire Filippo Boccini.
Atelier FAIRE DU CINÉMA, TRAVAILLER LA TERRE, HABITER LE MONDE avec Giovanni Cioni / dimanche 4 février 15h / The Window
Faire du cinéma est en rapport avec le monde qu’on habite et avec les autres qui habitent ce monde. Faire du cinéma devient interroger et se confronter et mettre en cause le flux ubiquitaire des images, images en temps réel toujours au présent, les lieux toujours ailleurs. L’ubiquité, l’ailleurs, nulle part, dans un présent suspendu. Les écrans sont partout et il faut briser les écrans. Il faut inventer le ici, le maintenant, là où nous sommes et là où nous voulons aller.
Être en vie, où, ici, en ce monde.
Je fais du cinéma et je travaille la terre, depuis vingt ans. Et c’est ce lien qui me nourrit dans cette recherche.
Un lien très concret, matériel.
Imaginer ce dont tu as besoin pour vive. Préparer la terre c’est imaginer ce qui va y pousser. Semer c’est imaginer la croissance de la plante et l’espace dont elle a besoin. Tailler la vigne, l’olivier, l’arbre à fruit, c’est imaginer la forme qu’elle prendra. La lumière dont le fruit aura besoin pour mûrir.
Travailler un film c’est imaginer la vie qui en germera.
Projection du film L'ORTO DEL MONDO, film collectif.
Dimitri Bratanov, Milena Fiore, Sofia Merelli, Stefania Muresu, Alessandro Penta, Paola Piscitelli, Marco Schiavon, Marco Zuin
Italie, 50', 2024
Le laboratoire était comme un atelier de travail ouvert – où pour la première fois j’invitais des cinéastes à faire l’expérience de mon lieu de vie et de travail, travail de cinéma et de la terre. Chacun partait sur sa propre inspiration, et trouvait sa place. Je parlas de ce que j’étais en train de faire, je montrais des fragments de projets en cours ou inachevé, on échangeait les idées qui germaient. Et moi je me suis vite senti dans une position d’invité dans mon lieu de vie. Et j’aimais cette sensation. Comme quand quelqu’un un jours me dit qu’il vivrait bien ici, où je vis – et je lui répondit : moi aussi. Une boutade, oui, peut-être, mais avec ce fonds de vérité que je retrouve dans cette expérience et dans les films qui en sont nés.
Giovanni Cioni
« Giovanni Cioni est un cinéaste de la perte des références. Loin des habitudes, sa caméra devient un explorateur, transformant l'environnement qu'elle traverse en territoire inconnu. Son regard bouscule les codes du documentaire. Rebat les traces de la réalité et de la fiction. Elle élabore de nouveaux espaces, de nouvelles temporalités, d'où émergent des humains qui semblent surgir d'un ailleurs impalpable. Dans sa démarche, l'œil construit une réalité, appréhende le monde sans certitudes. Son empreinte singulière est faite de la marque d'un homme en quête, et du regard d'un grand cinéaste. » (Carlo Chatrian, Visions du Réel 2011)
GIOVANNI CIONI, cinéaste, a vécu entre Paris (où il est né en 1962), Bruxelles, où il s'est formé, Lisbonne, Naples et le Mugello, en Toscane, où il vit actuellement.
Parmi ses films : NON è SOGNO, créé au Festival International du Film de Locarno (août 2019), VIAGGIO A MONTEVIDEO, créé au Cinéma du Réel et au Cinéma Mostra Nuovo de Pesaro (2017), FROM THE RETURN, en compétition internationale au Cinéma du Réel (Paris, mars 2015), Biografilm (Bologne, juin 2015) Filmmaker (Milan, décembre 2015), Festival de Trieste janvier 2016, PER ULISSE, prix de la compétition internationale et prix du cinéma italien au Festival dei Popoli, Florence, décembre 2013 , mention spéciale au Festival Cinéma et droits de l'homme, Naples, décembre 2013, première à Visions du Réel, Nyon, compétition internationale, avril 2013, Etats généraux du film documentaire, Lussas, août 2013, Festival des cinémas des Peuples Anuuruaboro, Nouvelle-Calédonie , compétition internationale, novembre 2013), GLI INTREPIDI, créé à la 69e Mostra de Venise, Giornate degli Autori, IN PURGATORY, sélectionné et primé dans divers festivals (dont le Festival dei Popoli, Bellaria et Cinéma du Réel), distribué en salles en Belgique et France, NOUS/AUTRES, TEMOINS LISBONNE, LOURDES LAS VEGAS (inspiré du spectacle d'Alain Platel et Arne Sierens, Bernadetj), la série de films muets à écouter LA RUMEUR DU MONDE
Différentes rétrospectives lui ont été consacrées : VISIONS DU REEL à Nyon, KINODROMO à Bologne, VILLA ROMANA à Florence, TEATRO CORSINI à Barberino di Mugello, BABYLON à Berlin, PICCOLO CINEMA à Turin, DOC SASSARI à Sassari, LACENO D'ORO à Avellino, L'ASILO à Naples, PRIX SERGIO AMIDEI à Gorizia, ANNECY CINEMA ITALIEN à Annecy
Expérimentations Ouvertes
AL BORDE DEL AGUA, Iñigo Salaberria, Maria Elorza / jeudi 2 février 18h / The Window
Iñigo Salaberria, Maria Elorza, Espagne, 20', 2023
Il y a des images qui n'existent pas. Et il y a des images qui existent deux fois. Aucun de ces lieux n’existe plus.
Iñigo Salaberria
Iñigo Salaberria (Errenteria, 1961-2022) fut l'un des principaux vidéastes de sa génération. Il a étudié l'histoire et l'esthétique du cinéma aux universités de Valladolid et de Paris III. En 1984 et 1985, il participe à des cours de production vidéo à l'American Center de Paris, où il travaille comme assistant technique dans les ateliers de Michel Jaffrennou, Joan Logue, William Wegman et Ken Feingold. Il a vécu à Lyon, Reykjavick, Londres et Madrid. Son travail a été exposé et primé dans divers festivals et événements artistiques.
Maria Elorza
Maria Elorza (Vitoria-Gasteiz, 1988) est diplômée en communication audiovisuelle de l'Université Pompeu Fabra de Barcelone et titulaire d'un master en création artistique et recherche de l'EHU/UPV. Depuis 2013, il réalise plusieurs courts métrages, dont Gure Hormek (2016), Ancora lucciole (2018), Quebrantos (2020) et Alborde del agua (2023).
En 2022, il écrit et réalise son premier long métrage, To the Books and to the Women I Cant, présenté en première au SSIFF (TCM Youth Award) et au Festival du Film de Rotterdam.
THE COAST, Sohrab Hura / jeudi 1 février 18h / The Window
Sohrab Hura, Inde, 17', 2021
Le nouveau film du photographe et cinéaste The Coast (2020) capture des scènes de mer après les festivités religieuses au Tamil Nadu. Dans cette nouvelle écrite pour accompagner les images du film suivant, Hura met en lumière la relation de l’humanité avec la nature en remettant en question les façons binaires de penser le monde, et présente un protagoniste en quête de nouveaux états d’être.
Sohrab Hura
Les photographies vives, parfois surréalistes, de Sohrab Hura explorent sa position dans le monde dans lequel il existe. Bien que Hura ait d'abord travaillé à travers le prisme du documentaire social, il a rapidement tourné sa forte vision vers l'intérieur, créant des journaux visuels de sa vie et de ses relations personnelles comme moyen de « trouver sa propre logique ».
Hura est née le 17 octobre 1981 dans une petite ville appelée Chinsurah au Bengale occidental, en Inde. Il a grandi avec de nombreuses ambitions professionnelles variées, mais s'est finalement tourné vers la photographie après avoir terminé sa maîtrise en économie à la Delhi School of Economics.
Ses premiers projets, The River (une série qui explore trois villes le long du Gange et de son affluent) et Land of a Thousand Struggles (qui fait suite à un mouvement populaire dans l'Inde rurale qui a conduit à une importante loi sur la sécurité sociale), ont été réalisés simultanément en 2005-06. Bien que les deux aient été réalisés avec des intentions de bon augure, Hura a ensuite décidé de tourner le dos à ce genre de travail documentaire social et de se concentrer plutôt sur des questions qui reflétaient son expérience personnelle.
Le travail de Hura a été présenté dans des expositions à travers le monde. Les expositions à venir incluent The Levee at Cincinnati Art Museum, The Lost Head & The Bird au True/False Film Festival : Columbia Missouri et La Fete Du Slip, Laussane and Snow at Kettle's Yard, Cambridge UK, toutes en 2019. Il a publié trois livres. à ce jour : La vie est ailleurs (2015), Une proposition de départ (2017), Regardez, il fait beau dehors !!! (2018) et le quatrième, The Coast, sera publié cette année.
Il travaille actuellement sur une série intitulée SNOW, qui regarde le Cachemire à travers le prisme de l'arrivée et de la fonte des neiges à travers les trois phases de l'hiver.
Hura est actuellement basée à New Delhi, en Inde. Il a rejoint Magnum Photos en tant que candidat en 2014 et en est devenu membre en 2020.
APHOTIC ZONE, Emilja Skarnulyte / jeudi 1 février 18h / The Window
Emilija Škarnulytė
Italie, Lituanie | 2022 | 15 min
La zone aphotique est cette région profonde et obscure qui comprend la plupart des eaux océaniques et où la lumière ne pénètre pratiquement plus. L’artiste et cinéaste lithuanienne Emilija Škarnulytė signe un film hypnotique, entre le documentaire et le récit imaginaire, où l’étrangeté du monde sous-marin se confronte au paysage sonore d’une civilisation lointaine.
Emilja Skarnulyte
Travaillant entre documentaire et imaginaire, Škarnulytė réalise des films et des installations immersives explorant le temps profond et les structures invisibles, du cosmique et géologique à l'écologique et politique. Sa grand-mère aveugle touche doucement la statue patinée d'un dictateur soviétique. Les détecteurs de neutrinos et certains collisionneurs mesurent le cosmos avec une architecture surnaturelle. Les espèces post-humaines nagent dans les tunnels sous-marins au-dessus du cercle polaire arctique et rampent à travers les lignes de failles tectoniques du désert du Moyen-Orient.
Lauréate du Future Generation Art Prize 2019, Škarnulytė a représenté la Lituanie à la XXIIe Triennale de Milan et a été incluse dans le pavillon baltique de la Biennale d'architecture de Venise 2018. Avec des expositions personnelles à la Tate Modern (2021), au Kunsthaus Pasquart (2021), à Den Frie (2021), à la National Gallery of Art de Vilnius (2021), au CAC (2015) et au Kunstlerhaus Bethanien (2017), elle a participé à des expositions collectives à Ballroom Marfa, Musée d'art de Séoul, Fondation Kadist et première biennale de Riga. En 2022, Škarnulytė a participé à l'exposition collective Penumbra organisée par la Fondazione In Between Art Film à l'occasion de la 59e Biennale de Venise. Ses nombreux prix incluent le Kino der Kunst Project Award, Munich (2017) ; Spare Bank Foundation (DNB Artist Award (2017) et Prix national d'art lituanien pour jeunes artistes (2016)), et elle a été nominée comme candidate au prix d'art Ars Fennica 2023. Elle a obtenu un diplôme de premier cycle de l'Académie des arts de Brera. à Milan et est titulaire d'un master de l'Académie d'art contemporain de Tromsø.
Ses films font partie des collections de l'IFA, de la Fondation Kadist et du Centre Pompidou et ont été projetés à la Serpentine Gallery, au Royaume-Uni, au Centre Pompidou, en France, au Museum of Modern Art de New York et dans de nombreux festivals de cinéma, notamment à Rotterdam, Busan et Oberhausen. Plus récemment, elle a conclu ses mandats à Art Explora et à la Cité des Art, dans la foulée d'une autre résidence importante au MAK Center for Art and Architecture. Elle est fondatrice et codirige actuellement Polar Film Lab, un collectif de pratique du cinéma analogique situé à Tromsø, en Norvège, et est membre du duo d'artistes New Mineral Collective, récemment commandé pour une nouvelle œuvre par la première biennale de Toronto.
ABSENT LANDSCAPES, Myriam Rey / vendredi 2 février 18h30 / The Window
Absent Landscapes (2023) commandé par Film & Video Umbrella
Aperçu du projet rédigé par le directeur du FVU, Steven Bode :
"Si les souvenirs sont un proxy pour des personnes et des lieux qui n'existent plus, alors la vidéo est un espace où ce dont on se souvient acquiert une étrange sorte d'au-delà. Pour l'artiste Myriam Rey, la redécouverte récente d'une boîte de vidéos personnelles de son père a précipité un déversement d'émotions - des souvenirs qui tourbillonnent comme les tourbillons et les courants d'une rivière, ou qui scintillent et se fissurent dans l'œil de l'esprit, comme des rayons de lumière à travers un miroitement de poussière ou de brume. Dans la vidéo de 10 minutes de Rey, Paysages absents, le passé est palpablement présent, ressenti comme un tremblement dans le corps ou un picotement sur la peau. Les premières images de la vidéo se matérialisent comme une image de carte de test dans un océan d'interférences ; une image de carte de test d'un enfant que nous reconnaissons immédiatement comme étant le double infantile de l'artiste elle-même, maintenant bercé et se balançant comme s'il était légèrement possédé par les éclairs soudains de souvenirs qu'elle peut voir devant elle. Des images fantômes de ses archives familiales sont projetées en vidéo sur son visage et son corps, tandis que Rey répète la même série de scènes. des phrases presque incantatoires dans trois langues différentes (arabe, français et anglais), comme pour tenter d'invoquer un sortilège secret ou de déchiffrer un code insaisissable. Subtile et poétique, paysages absents est une méditation poignante sur le monde invisible de l’histoire personnelle que nous transportons dans nos têtes ; des images qui se brisent et se brisent alors même que nous essayons de les serrer contre nous, mais qui en conséquence ressortent d'autant plus nettement. » (Site Internet de la FVU)
Myriam Rey
Myriam est une artiste et cinéaste franco-syrienne. Sa pratique se concentre sur l'utilisation du témoignage oral et de la visualisation incarnée pour explorer les thèmes de la perte, de l'appartenance et de la mémoire.
Elle a travaillé sur des projets impliquant la créativité, le bien-être et les communautés pendant plusieurs années au Royaume-Uni, en France et au Liban. Elle a commencé à réaliser des films alors qu'elle étudiait l'anthropologie médicale à l'University College de Londres.
Les films de Myriam ont reçu le prix du meilleur poème vidéo au Los Angeles Film & Video Poetry Symposium (2020), du meilleur court métrage documentaire au Nova Frontier Film Festival de New York (2019), de la mention honorable au Sunderland Shorts Film Festival (2018) et du prix Inspiration. au Festival du film AHRC (2015). Ils ont été projetés dans des festivals dont Aesthetica Short FF, London Short FF, Edinburgh Int. FF, Underwire FF, Beyrouth Int. FF, Processus d'erreur : Festival Int. de Video Experimental, entre autres.
Son travail a été exposé dans des institutions telles que le New Art Exchange, Royaume-Uni (2023), la Bomb Factory Art Foundation, Royaume-Uni (2021) et la Sharjah Art Foundation, Émirats arabes unis (2020). Ses films ont également figuré dans des expositions collectives, notamment Images Festival, Toronto (2022) et Artist Moving Image Program au Margate Film Festival (2021).
Myriam a été sélectionnée au sein de l'équipe BFI Network & BAFTA (2018) et a fait partie de l'initiative de talents Bridging the Gap (2017) au Scottish Documentary Institute. Son film le plus récent, Paysages absents (2023), a été commandé par Film & Video Umbrella à Londres.
CORTOCIRCUITO, Valentina Manzoni / vendredi 2 février 18h30 / The Window
Cortocircuito, Valentina Manzoni, Italia, 5’28’’ 2021
Cortocircuito parle des fractures émotionnelles et de ce que nous faisons pour les surmonter. Déménager dans un endroit lointain et différent, apprendre une langue et avec elle une autre façon de passer le temps, de vivre les journées, d'appartenir à la communauté. Puis retour à la maison, réalisant que vous n'aviez plus regardé le ciel depuis.
Au milieu, la blessure que nous avons tous vécue, celle de la pandémie, avec la crainte qu’elle ne soit pas encore terminée. Que pouvons-nous faire? Danser, en parler avec un ami, regarder le coucher du soleil, le coucher de soleil lui-même est au centre de l'unique plan du film, accompagné des paroles du réalisateur. Cependant, le coucher du soleil devient une aube, comme pour signifier qu'un nouveau départ renaîtra de ses cendres. C'est ce que nous nous disons, ce que nous espérons.
Peut-être que l’anxiété et la peur sont encore des façons d’être en vie, tout comme le souvenir mélancolique d’une époque révolue et de ce qu’elle a pu nous apporter.
Valentina Manzoni
Valentina Manzoni (1994) est une réalisatrice et programmatrice italo-suisse qui vit à Milan. En 2017, il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts avec une concentration en cinéma et vidéo de la School of the Art Institute of Chicago. En 2016, il participe à un atelier de réalisation de films à Cuba, où il réalise son premier court métrage de fiction sous la direction du réalisateur iranien Abbas Kiarostami, Juego – o una película con Katherine. En 2019, il participe à un atelier au Festival du Film de Locarno avec Béla Tarr, à l'occasion duquel il réalise le court métrage Un'altra volta.
LUI E IO, Giulia Cosentino / vendredi 2 février 18h30 / The Window
Lui e Io, Giulia Cosentino, Re-Framing Home Movies, Cineteca Sarda, Italie, 13' 2019
Les réflexions d’une femme dans son rôle d’épouse et de mère, entre imposition et choix, à travers les images de son mari – très souvent absent – qui en fait le portrait. Dans ce film, la remise à plat de la “condition féminine” se fait acte politique pour rappeler que l’amour se fonde sur l’acceptation des différences, et que les souvenirs personnels sont constitutifs de l’histoire collective.
Giulia Cosentino
Giulia Cosentino est née en 1990 à Catane, en Sicile. Elle est diplômée en cinéma et en arts visuels et a étudié dans les universités de Roma Tre, La Sorbonne Nouvelle à Paris, l'Universidade Nova à Lisbonne et à Pompeu Fabra, à Barcelone. Elle travaille à l'école nationale de cinéma Centro Sperimentale di Cinematografia - Sede Sicilia. "Lui e Io" est son premier cour métrage qui a été créé dans le cadre de la résidence d'artistes Re-framing Home Movies et présenté au TFF 37. En 2020, elle a travaillé sur l'un des épisodes du film collectif "Le storie che saremo" produit par Ginko Film. Actuellement, elle fait partie des réalisateur·rices du projet international d'Eurimages "The Purple Meridians".
THE HEART OF A TREE, Clare Langan / samedi 3 février 18h30 / The Window
The heart of a tree, Clare Langan, Irlande, 2020
Le cœur d'un arbre contemple le rôle central de ces géants de la nature pour la survie de la planète et la nôtre. Les arbres nous fournissent l’air que nous respirons. C'est un aperçu d'un monde futur où les êtres humains ont évolué et se sont adaptés pour survivre. Les pandémies telles que celle du coronavirus sont le résultat de la destruction de la nature par l’humanité, selon les dirigeants de l’ONU, de l’OMS et du WWF International, et le monde ignore cette dure réalité depuis des décennies.
En « secouant l’arbre viral », nous avons provoqué cette pandémie sur nous-mêmes. Ce film est une métaphore opportune d’un monde bouleversé par notre mépris de la nature et de la planète. Le film est tourné dans un paysage aride et sans arbres, qui pourrait être une vision future de la Terre ou d'une autre planète. Les habitants se frayent un chemin dans cet environnement inhospitalier, récoltant l'air, l'or nouvel. Ils plantent des arbres sur une plage noire et déserte, dans l’espoir de repeupler la planète de sa source d’oxygène.
Le film explore la déconnexion entre l'humanité et la nature et finalement en nous-mêmes. Il s’agit de redresser ce déséquilibre qui a atteint un point critique. L’écologie mondiale est un exercice d’équilibre délicat. Il est devenu nécessaire pour les humains d’évoluer dans leur environnement pour survivre. Le récit du film contient cette tension entre harmonie et conflit.
Clare Langan
Clare Langan a étudié les beaux-arts au National College of Art and Design de Dublin et, grâce à une bourse Fulbright, a suivi un atelier de cinéma à NYU. En 2017, elle a reçu un doctorat honorifique en beaux-arts de l'Université nationale d'Irlande. En 2019, elle devient membre d'Aosdana. Elle a représenté l'Irlande dans de nombreuses biennales internationales, dont la 25e Biennale de Sao Paulo, 2002 au Brésil ; Biennale de Liverpool - International 2002, Tate Liverpool : Sounds and Visions, Art Film and Video from Europe, 2009, Museum of Modern Art, Tel Aviv ; Biennale de Singapour 2008, organisée par Fumio Nanjo en tournée à la Biennale de Dojima River 2009, Osaka, Japon ; Biennale de Busan 2010, Corée du Sud. En 2003, Langan a présenté A Film Trilogy au MoMA de New York et au RHA de Dublin.
LAST THINGS, Deborah Stratman / samedi 3 février 18h30 / The Window
Last things, Deborah Stratman, États-Unis, France, Portugal
50' 2023
À l’heure où l’humain entrevoit de plus en plus nettement les contours de son extinction, le nouveau film de l’artiste américaine Deborah Stratman s’en remet à l’idée vivifiante qu’il existe, dans la roche, une autre histoire de l’évolution à laquelle s’attacher. En entremêlant deux voix-off de nature scientifique et fictionnelle, Last Things invente une chimère moitié cosmogonie, moitié cosmologie. D’un côté, la géologue Marcia Bjørnerud conçoit chaque pierre comme un petit monde porteur d’une histoire qui nous dépasse, et qu’il nous faut apprendre à lire pour devenir sensibles à la multitudes des temporalités parallèles à nos existences. De l’autre, la cinéaste française Valérie Massadian narre, d’une voix qui semble surgir du fond des âges, un récit inspiré de deux nouvelles de J.-H. Rosny – pseudonyme commun aux deux frères Boex qui imaginaient, à la fin du dix-neuvième siècle, des extraterrestres de nature tantôt minérale, tantôt géométrique. Posées sur des images basculant constamment entre différents ordre de grandeurs – de la représentation des pierres au survol de paysages lunaires, des fonds des océans à l’espace infini, en un collage amoureux des formes qui épouse le principe de vie exposé dès la première phrase, empruntée à Clarice Lispector : « All the world began with a yes » –, ces voix paraissent suspendues dans un état intermédiaire, à la recherche d’un corps passé ou à venir, opposant à la catastrophe en cours un espace où instaurer de nouvelles relations entre les signes, et laisser libre cours à une pensée profuse et agile comme un danseur sur le pavé.
Deborah Stratman
Deborah Stratman (née en 1967) est une artiste et cinéaste basée à Chicago dont le travail se situe entre le cinéma expérimental et le documentaire. Ses films et travaux fréquents dans d'autres médias, notamment la photographie, le son, le dessin et la sculpture, explorent souvent l'histoire, les pratiques, les mythologies et le contrôle de paysages très variés : de la Chine musulmane du Xinjiang à l'Islande rurale, en passant par les banlieues résidentielles de Californie.
Elle a récemment achevé une trilogie d'œuvres qui abordent collectivement les concepts du paranormal à l'ère de l'information, et travaille actuellement à un film sur la "liberté" qui réfléchit sur la menace élevée, le patriotisme, la nature sauvage et la possibilité de transcendance personnelle.
Elle enseigne à l'école d'art et de design de l'université de l'Illinois à Chicago.
SPEWKING RYBAWDY, Melanie Jackson / dimanche 4 février 18h / The Window
Spewking Rybawdy, Melanie Jackson, Royaume Uni, 2020
La dernière et la plus ambitieuse incarnation du projet en cours de Melanie Jackson explorant les récits transgressifs et le symbolisme explicite des insignes de débauche des pèlerins médiévaux. À travers un carnaval de personnages colorés et chargés d'érotisme, Spekyng Rybawdy nous encourage à réexaminer non seulement nos idées sur ceux qui ont participé à la production et à la circulation de l'imagerie à l'époque médiévale – mais aussi comment cela pourrait nous permettre de reconsidérer les origines de l'imagerie. les représentations dissidentes, la politique sexuelle et nos attitudes et comportements aujourd’hui.
Des insignes de débauche, des insignes laïques, des insignes sexuels ou des épinglettes érotiques du XIIe au XVIe siècle ont été découverts dans une grande partie de l'Europe du Nord, souvent le long des routes de pèlerinage qui sillonnaient le continent à cette époque. Ils étaient produits en masse par des artisans locaux, généralement à partir d'étain ou de plomb et fabriqués par et pour les travailleurs ordinaires, qui les cousaient sur l'extérieur de leurs vêtements ou les épinglaient sur leurs chapeaux. Fréquemment décorés de couleurs vives luminescentes, les insignes en bas-relief, dévoilant toutes les marques d'influence populaire, romaine ou étrusque, représentent généralement des rencontres sexuelles obscènes ou des organes génitaux surdimensionnés errants, souvent hybridés, tenus en l'air ou des voyou sur pattes et courant. Un peu comme les mèmes d’aujourd’hui, ces insignes étaient fréquemment empruntés, échangés, reproduits et appropriés dans le cadre d’un bien commun de monnaie culturelle visuelle.
Melanie Jackson
La pratique multidisciplinaire de Mélanie implique des modes de narration non-fictionnelle – à travers l'espace/objets/texte/image en mouvement et son.
Mélanie est née à Hollywood, dans les West Midlands. Elle vit et travaille maintenant à Londres et a fréquenté le LCC, Byam Shaw et le RCA et a récemment terminé un doctorat basé sur la pratique à l'Université de Reading.
En 2017-2018, elle a publié des articles co-écrits avec le Dr Esther Leslie dans Parallax Journal, Effects Journal, la revue en ligne Studies in the Maternal et le cabinet magazine. Ils ont également co-écrit un livre Deeper in the Pyramid (2018) et ont déjà produit une bande dessinée The Ur-Phenomenon (2013) et un journal The Urpflanze (2010). Ils ont conçu une série de conférences-performances basées sur le livre pour la fondation Delfina (2016), l'UCL (2016), Birkbeck (2017), l'Atlantic Project (2017), Lux (2017) et Primary (2018).
Les expositions personnelles incluent Deeper in the Pyramid à Grand Union (Birmingham), Primary (Nottingham) et Banner Repeater (Londres en 2018), ainsi que The Urpflanze Part 2 (2013) et The Urpflanze Part 1 (2010) au Drawing Room and Flat. Time House, (Londres). Elle a également réalisé des expositions personnelles à Space Exchange (Colchester), Chapter (Cardiff), Matt's Gallery (Londres) et Arnolfini (Bristol) et a exposé à l'échelle internationale dans des expositions collectives, notamment Take Me to the River, DRF Biennale (Osaka, Japon), The Global Contemporary, ZKM Museum of Contemporary Art, (Karlsruhe, Allemagne) ainsi que des expositions au Museum of Contemporary Photography (Chicago, USA), Art Gallery New South Wales (Sydney, Australie), Kerlin Gallery (Dublin, Irlande) Project (Dublin, Irlande), Sabine Wachters Gallery, (Bruxelles, Belgique), Shanghart (Shanghai), Para/Site Art Space, (Hong Kong), Hanart TZGallery, Hong Kong).
Elle a obtenu des résidences à Shanghai et Hong Kong (British Council), à Maurice (Gasworks) et au Royaume-Uni (Université de Bristol, The Mothership). Elle a été présélectionnée pour le Whitechapel Max Mara Art Prize for Women et a remporté le Jerwood Drawing Prize.
Elle a travaillé dans les collections d'art de la Tate et du gouvernement, ainsi que dans des collections privées.
THE FEAR OF LEAVING THE ANIMAL FOREVER FORGOTTEN UNDER THE GROUND, Janis Rafa / dimanche 4 février 18h / The Window
THE FEAR OF LEAVING THE ANIMAL FOREVER FORGOTTEN UNDER THE GROUND, Janis Rafa, Royaume Uni, 2021, single-channel projection, stereo sound, 12min
Dans ce film règne une atmosphère claustrophobe cauchemardesque engendrée par un
monde souterrain fictif occupé par des animaux où la présence humaine n'est que
suggéré. Son nouveau court métrage fort et visuellement bouleversant crée une subtile
référence aux premières années de Beuys pendant la Seconde Guerre mondiale et à sa vie traumatisante, ainsi
quant à sa performance influente I Like America and America Likes Me (1974),
pour lequel Beuys a partagé un espace solitaire avec un coyote pendant trois jours. Le regard cinématographique alterne entre les points humains et animaux de vue, puisque la caméra se déplace à tour de rôle entre la position de l'homme et celui des chiens, tout en alternant entre le gagnant
et sujet vaincu.
L'esprit indompté des chiens se juxtapose à l'esprit énigmatique, controversé, et une figure humaine invisible, tandis que leur confinement, représenté dans ce lieu négligé lieu post apocalyptique, évoque des sentiments, des pensées et des notions contradictoires
dans lequel on peut identifier des opposés : bestial contre humain, bourreau contre
victime, chasseur contre proie, soumission contre pouvoir, cruauté contre
compassion, sauvage et libre contre enfermé, réaliste contre mystique et énigmatique
versus exposé.
Janis Rafa
Janis Rafa (né en 1984, Grèce) vit et travaille entre Amsterdam et Athènes. Son œuvre combine film, installation vidéo et sculpture, afin d'attirer l'attention sur une notion non anthropocentrique et non logocentrique des subjectivités et des lieux.
Son travail d'images en mouvement oscille entre une perception empirique des paysages et des événements et une représentation authentique de ceux-ci. Ses récits se situent aux marges de l’urbain, hantés par les chiens errants, les tués sur les routes, les proies traquées, les ruines oubliées, l’abandon et la mort dissipée. Morts et vivants, êtres humains et non-humains cohabitent dans un accord de rêve et de sensualité formant un langage visuel qui s'appuie sur le mutisme, le physique et le tactile. Le caractère énigmatique et universel de ces mondes cinématographiques est initié par un certain réalisme qui n'a que très peu à voir avec sa représentation habituelle, à la recherche de l'invisible, du mythique et de l'occulte. Les rituels d’adieu, d’enterrement ou d’exhumation, de soumission ou de vengeance forment un modèle de narration circulaire dans lequel l’action non humaine est reconnue afin de révéler des dimensions politiques et éthiques, comme une autre sorte d’archéologie.
Rafa est titulaire d'un doctorat en beaux-arts de l'Université de Leeds (Royaume-Uni, 2012). Elle a été résidente à la Rijksakademie (NL, 2013/14) et membre de la Fondation ARTWORKS by S. Niarchos (GR, 2020). Son travail récent a été soutenu par la Fondazione In Between Art Film, ART for the World, Mondriaan Fund, Onassis Foundation, Netherland Film Fund et Greek Film Center. Son travail sera présenté à la 59e exposition internationale d'art La Biennale di Venezia, organisée par Cecilia Alemani.
Son premier long métrage « Kala azar » (2020) a été présenté en première au Festival international du film de Rotterdam (prix KNF) et aux Nouveaux réalisateurs/nouveaux films du MoMA (2021). Le film a participé à 38 festivals de cinéma et a reçu 9 prix.
Son travail a été exposé dans divers lieux, parmi lesquels : Biennale de Bucarest (2021), exposition personnelle du Centraal Museum (NL, 2019), Goethe-Institut (GR, 2021), MAXXI (2020), State of Concept Athens (2020). , Manifesta 12 (2018), Palazzo Medici Riccardi (2017), Centre d'art contemporain Chanot (2017), Biennale de Mardin (2018), Kunsthalle Munster (2017), EYE Filmmuseum (2016/ 2021), Palazzo Strozzi (2015). Le travail de Rafa fait partie de plusieurs collections institutionnelles et privées, parmi lesquelles le Stedelijk Museum, le Centraal Museum, le Museum Voorlinden et la Fondazione In Between Art Film.
PARALLEL URBANISMS, Jasper Lester-Jones / dimanche 4 février 18h / The Window
Jaspar est un artiste basé à Londres, dont le travail explore le rôle que jouent les images dans l'urbanisme, l'espace social et la pratique quotidienne.
Ses intérêts de recherche se situent entre la création artistique, le commissariat et l'écriture et s'inspirent des domaines de l'architecture, du design, des études urbaines, de la géographie humaine, de la philosophie, des études cinématographiques et médiatiques, de la théorie spatiale et de l'économie. Ici, il s'est concentré sur les cadres idéologiques contradictoires incarnés dans les représentations de la modernité, du renouvellement urbain et de la régénération afin de mieux comprendre comment la pratique artistique peut redéfinir le cycle successif de plans directeurs et de programmes de régénération qui déterminent la vie culturelle de nos villes. Une grande partie de son travail récent a pris la forme d'imprimés (essais photographiques, guides urbains collaboratifs et publications éditées). Depuis 2000, Joseph-Lester a participé à une série d'expositions internationales organisées ; est l'auteur, le co-auteur et l'éditeur d'un certain nombre de livres et d'articles publiés pour des revues ; et a joué un rôle de premier plan dans l'organisation de conférences internationales, de colloques et d'un certain nombre d'autres événements publics. La clé de ce travail est le développement de plateformes et de cadres pour l’art qui contribuent au développement de nouvelles façons de penser les expériences sociales et de vie pour l’avenir. Cette recherche à long terme a conduit à être invité à devenir chercheur principal sur le projet Horizon 2020 SPACEX.
Société Ouverte
24 HEURES SUR PLACE, Ila Béka et Louise Lemoine / jeudi 1 février 19h30 / L'Archipel
Ila Béka & Louise Lemoine, France, 90' 2014
Paris, Place de la République, 40 ans après le film de Louis Malle et juste un an après le grand chantier de rénovation qui a transformé le carrefour vrombissant bien connu des automobilistes en un nouvel oasis pour le piéton parisien. Dans le sillage de Louis Malle, ce film est un instantané de l’Est parisien en un jour de juin 2014. Politique, amour, travail, peines, inquiétudes ou espoirs, le carrousel des portraits qui se succèdent nous donne la température de la capitale. 24 heures sur place est un film performance. Aux pieds de Marianne, Ila Bêka et Louise Lemoine se sont postés sur la place d’une aube à l’autre pour récolter tout ce qui peut advenir dans les rapports étroits entre l’espace d’une place et le temps d’une journée. Flux, reflux, vides et pleins, lumières et atmosphères redessinent les contours de la place au gré des heures du jour et de la nuit.
Ila Béka et Louise Lemoine
"Ila Bêka et Louise Lemoine sont deux des plus grands artistes architectes travaillant aujourd'hui. Leurs films se concentrent sur la relation entre les personnes et le design, soulignant la présence de la vie quotidienne au sein de certains des projets architecturaux les plus emblématiques des dernières décennies." Barbican Centre, Londres. « Ila Bêka et Louise Lemoine construisent une œuvre à la croisée du cinéma, de l'architecture et de l'urbanisme, interrogeant nos façons d'habiter le monde avec un sens poétique teinté de surréalisme et un humour parfois mordant. » Le MondeL'œuvre complète de Bêka & Lemoine a été acquise en 2016 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York pour sa collection permanente. Vidéastes, cinéastes, productrices et éditrices, Ila Bêka et Louise Lemoine travaillent ensemble depuis ces 15 dernières années, ils ont principalement concentré leurs recherches sur l'expérimentation de nouvelles formes narratives et cinématographiques en relation avec l'architecture et l'environnement urbain contemporains. En concentrant leur intérêt principalement sur la façon dont l'environnement bâti façonne et influence notre vie quotidienne, ils ont développé une approche tout à fait unique et personnelle qui peut être définie, en référence à l'écrivain français Georges Perec, comme une « anthropologie de l'ordinaire ».Présenté par The En tant que « figures cultes du monde de l'architecture européenne » du New York Times, le travail de Bêka & Lemoine a été largement salué comme « une nouvelle forme de critique » (Mark) qui « a profondément changé la façon de voir l'architecture » (Domus). Sélectionné par le Metropolitan Museum of Art de New York (The Met) comme l'un des "Projets de design les plus passionnants et critiques de l'année 2016", élu "Game Changers 2015" par Metropolis Magazine, sélectionné parmi les "100 plus talentueux personnalités de 2017" d'Icon Design, en 2016 elles ont été sélectionnées parmi les participants de Mextropoli à Mexico.
Leurs films ont été largement présentés dans de grandes biennales et événements culturels internationaux tels que la Biennale d'architecture de Venise (2008, 2010, 2014), la Triennale d'architecture d'Oslo 2016, la Biennale d'architecture et d'urbanisme de Séoul 2017, Performa 17 à New York, entre autres. beaucoup d'autres. Leurs films sont également fréquemment exposés dans certains des musées et institutions culturelles internationales les plus prestigieux, comme le Metropolitan Museum of Art de New York, le Louisiana Museum of Modern Art de Copenhague, le Barbican Centre de Londres, le CAPC musée d'art contemporain. art à Bordeaux, le Musée d'art moderne et contemporain (MMCA) à Séoul ou encore le Centre canadien d'architecture à Montréal, Canada.
Les films de Bêka & Lemoine ont également été largement sélectionnés et primés par certains grands festivals de cinéma tels que le Festival de Cannes (Cannes), la Mostra del Cinema di Venezia (Venise), le CPH:DOX (Copenhague), DocAviv (Tel Aviv), Chicago International. Film Festival (Chicago), Torino Film Festival (Turin), entre autres. Bêka & Lemoine sont régulièrement invités à donner des conférences dans certaines universités importantes: GSD / Harvard University (USA), GSAPP / Columbia University (New-York, USA), AAP / Cornell University (USA), AA / Architectural Association School of Architecture (Londres, UK), Bartlett School of Architecture / UCL (Londres, UK). En 2018, Bêka & Lemoine ont été lauréats de la Villa Kujoyama, programme de résidence français pour artistes au Japon. En 2019, Ila Bêka a été lauréate Italian Fellow à l'American Academy de Rome. Ila Bêka & Louise Lemoine dirigent depuis deux ans le master studio Diploma 16 à l'AA School de Londres et ont également été invitées en tant que professeures invitées au GSAPP / Columbia University ( New York) pour le Programme New-York/Paris, au Berlage Center for Advanced Studies in Architecture and Urban Design à Delft (Pays-Bas), à l'École d'Architecture de l'Université de Navarre, au Domaine du Boisbuchet (France) et à la HEAD à Genève (Suisse).
Ils enseignent actuellement aux étudiants en master de l'Académie d'Architecture de Mendrisio (Suisse). "Notre approche du cinéma en relation avec l'architecture, depuis notre premier film il y a 20 ans, a été celle de transmettre une idée de l'espace à travers le vécu et l'incarné. expériences des gens. »
Béka & Lemoine
DANCING ON THE EDGE OF THE VOLCANO, Cyril Aris / jeudi 1 février 21h30 / L'Archipel
Dancing on the Edge of a Volcano
Cyril Aris
Liban, Allemagne, 87' 2013
Après l'explosion au port de Beyrouth du 4 août 2020, une équipe de tournage fait face à un dilemme : affronter le chaos et poursuivre le tournage de leur film, ou l’abandonner face aux crises qui gagnent le pays. Danser sur un volcan met en évidence la résilience de l’équipe et raconte leur lutte pour continuer à faire du cinéma au milieu d’une ville dévastée.
Cyril Aris
Né à Beyrouth en 1987, Cyril Aris est un réalisateur, scénariste et monteur libanais. Il a étudié les beaux arts à l’université de Columbia, et est également membre de l’Académie des Oscars. En 2016, il produit le court métrage de Mounia Akl, Submarine. Il réalise le court métrage La Visite du Président (2017) qui fait sa première à Toronto et a été projeté dans plus de 80 festivals dont Cinemed.
Son premier long métrage documentaire La Balançoire a été présenté au festival de Karlovy Vary et Cinemed en 2018. En 2023, il développe son prochain long métrage It's a Sad and Beautiful World, lauréat de la Bourse d'aide au développement du Cinemed 2021 et vient de terminer son deuxième long métrage documentaire Danser sur un volcan (Mention spéciale du Jury à Karlovy Vary).
En tant que monteur, il a notamment travaillé sur Death of Nintendo (Berlinale 2020) et Costa Brava, Lebanon de Mounia Akl (Venise 2021).
CHORALE, Arianna Lodeserto / vendredi 2 février 20h30 / The Window
Chorale, Arianna Lodeserto, première internationale, Italie, 50' 2023
Un voyage à pied, sans moyens mécaniques, se promenant de Rome à Preci, toute petite ville de l’Ombrie. Une fête itinérante et analogique dans l'été maudite du 2020, les rues vides et ondulantes des zones reculées : chômeuses, amoureuses, tremblantes. Marcher est une chose étrange : en soi elle n'est rien, à la longue elle est une explosion. On marche pour disparaître, pour devenir paysage, pour relier des villages qui se disent toujours morts et pourtant, ils sont vivants. Têtus - vivants. Ce film est un corps toujours en mouvement.
FREE BULLET, Catherine Detournay et Paulina Pisarek / vendredi 2 février 21h30 / The Window
Caroline Detournay, Paulina Pisarek
PRODUIT PAR
GREC - Groupe de Recherches et d'Essais Cinématographiques, France, 50' 2014
L'île de Nioumoune, au Sénégal. Boniface, un jeune prêtre tiraillé par ses désirs, s'échappe de sa paroisse. À bord de son bateau de fortune, il traverse un labyrinthe inquiétant de mangroves. En quête de liberté, il entreprend un périple qui le confrontera à son passé, à ses désirs enfouis et à l'immensité du désert mauritanien.
Paulina Pisarek
Polonaise d’origine, Paulina est photographe de formation, après avoir exposé dans le monde entier, elle commence sa carrière dans le cinéma en tant que chef opérateur puis passe à la réalisation en 2013 avec le documentaire "Free Bullet" qui reçoit le prix du meilleur documentaire au festival russe Message to man.
En 2017, nouvelle collaboration avec Caroline Detournay avec "Saint-Désir", un court métrage à la frontière entre la réalité et la fiction, soutenu par la région Normandie et sélectionné au festival de Clermond-Ferrand dans la section Une jeunesse française.
Caroline Detournay
Caroline Detournay commence sa carrière dans le cinéma en tant que monteuse. Elle est diplomée du département montage de la Fémis, 13ème promotion.
Depuis 2002, elle a monté une dizaine de documentaires notamment "Off tournée" de Mattieu Almaric et de Rodolphe Gonzales en 2010, "I don't touch the gold" en 2011 de Paulina Pisarek ou encore "L'Europe des écrivains: La France de David Teboul" diffusé sur Arte en 2015.
Forte de son expérience avec Paulina Pisarek, elle décide de co-réaliser "Free Bullet" en 2014, produit par Le Grec, soutenu par la bourse SCAM-SACEM obtenant le prix du meilleur documentaire au Festival du film de Saint-Petersburg. Il est aussi sélectionné au Festival de Clermont-Ferrand dans la compétition nationale.
En 2017, nouvelle collaboration avec Paulina Pisarek avec "Saint-Désir", un court métrage à la frontière entre la réalité et la fiction, soutenu par la région Normandie et sélectionné au festival de Clermond-Ferrand dans la section Une jeunesse française.
WHAT WE SHARED, Kamila Kuc / samedi 3 février 20h30 / THe Window
What We Shared (Kamila Kuc, UK/Abkhazia, HD), 2021
Sept habitants d'un État de facto situé au bord de la mer Noire déploient un réseau d'histoires sur les pertes et les déplacements à travers la réimagination des rêves et des souvenirs de la guerre de 1992-93 entre la Géorgie et la région séparatiste d'Abkhazie. Ces réimaginations sont entrelacées de narrations autofictionnelles et de documents d’archives traités grâce à une technologie d’IA. La mer Noire qui imprègne le monde du film agit comme une métaphore à la fois d’une destination de vacances idyllique au bonheur utopique ; ainsi qu'une force périlleuse, un lieu de conspiration et de mort. What We Shared utilise un paysage sonore et des images émotionnelles pour produire une réflexion sensorielle sur la pratique artistique en tant que puissante force de liaison et acte de résistance aux structures de pouvoir dominantes.
Kamila Kuc
Je suis un cinéaste d'origine polonaise basé à Londres, dont la pratique hybride découle de la conviction que même si nous sommes incapables de changer notre passé, nous avons le pouvoir de façonner nos récits futurs. Informé par ma propre expérience vécue, je vois l'image en mouvement comme un portail vers nous-mêmes et notre expérience commune alors que nous vivons différents moments de présence collective. J'utilise l'empathie comme forme de résistance. J'utilise des méthodes de psychologie narrative, d'histoires spéculatives, de souvenirs et de rêves pour renverser les récits dominants de l'histoire et créer de nouveaux points de référence pour l'avenir. S'inscrivant dans le domaine de la chorégraphie sociale, mon travail considère les manières complexes d'interagir les uns avec les autres à travers des pratiques incarnées et instaurant la confiance qui défient la notion traditionnelle de paternité.
Mon travail en cours explore l’anxiété climatique vue à travers le prisme de la méthode socioanalytique du rêve social. Il s’agit d’une collaboration transnationale entre moi-même, des individus ayant vécu l’anxiété climatique, des psychologues et des facilitateurs de rêve social. Je travaille également sur une courte pièce qui approfondit mon engagement sur les thèmes du traumatisme intergénérationnel, de l'héritage émotionnel et de la résilience.
Mon dernier film, Her Plot of Blue Sky (2023), est présenté en première européenne au 27e Festival international du film documentaire de Ji.hlava. Mon premier long métrage, What We Shared (2021) est désormais disponible mondialement sur Klassiki. Mes films ont été projetés dans de nombreux festivals et galeries à travers le monde : le Festival international du film d'Édimbourg, CROSSROADS, Ann Arbor Film Festival, Anthology Film Archives New York ; Studio Gallery, Varsovie; Galerie Whitechapel, BFI, ICA, Londres. Je suis récipiendaire de nombreuses subventions internationales, plus récemment les Arts Council England Project Grants, le British Council, le New Mexico Arts, le New Mexico Humanities Council et le National Endowment for the Arts (USA), entre autres. Je suis également l'auteur et l'éditeur de nombreux livres et articles sur les médias expérimentaux, notamment Visions of Avant-Garde Film (Indiana University Press).
Je suis le fondateur et directeur de Dark Spring Studio, une société de production basée à Londres dédiée à la création et à la distribution d'œuvres d'artistes en images animées engagées dans le changement social.
HIJXAS DE LA REVOLUCIÓN, Rodrigo Vazquez / samedi 3 février 22h / The Window
Hijxas de la Revolución, Rodrigo Vazquez, Colombie, 86' 2023
Cinq ans après la signature d'un accord de paix avec les Colombiens
gouvernement, trois anciens guérilleros démobilisés des FARC, Amanda, Yuheni et
Juan, lutte pour s'adapter à la vie civile tout en essayant de se réinventer.
Ils appartenaient autrefois à l'une des unités de guérilla les plus combatives, mais aujourd'hui
ils s'efforcent de trouver leur place dans le monde, face aux expériences traumatisantes
de la guerre tout en essayant de gagner sa vie. Amanda devient une leader politique
et travaille pour le parti politique fondé par les anciens guérilleros. Yuheni
s'accroche à l'art pour survivre à l'injustice qu'elle voit autour d'elle. Mais Juan
devient victime d'une attaque menée par un groupe paramilitaire,
survit et décide de reprendre les armes. Entre-temps,
plus de 300 anciens guérilleros sont tués par des groupes paramilitaires
à travers le pays.
Rodrigo Vazquez
Depuis l'obtention de son diplôme du National Film & TV Scolarisé en 1998, Rodrigo Vázquez a été faire des films pour les plus grands acteurs internationaux
radiodiffuseurs nationaux en tant que producteur indépendant, réalisateur et caméraman, réalisant des enquêtes
et des documentaires d'observation. Rodrigo a
vaste expérience d'opération dans des zones de guerre et zones de conflit, en particulier en Amérique latine et le Moyen-Orient. Son travail en première ligne
a reçu le prestigieux prix Rory Peck pour En vedette en 2003 et a été de nouveau nominé dans
2007 et 2019. Les films d'observation de Rodrigo
ont reçu de nombreuses distinctions de la part du
Semaine de la Critique au Festival de Cannes, IDFA
et la Royal Television Society, y compris la
Prix Rory Peck pour les longs métrages, les grands prix au Festival du cinéma politique d'Argentine,
Le Festival du film sur les droits de la personne de Montréal et Am-Festival international du film Nesty. Depuis la création-atant Bethnal Films en 2005, il a produit documentaires primés ainsi que fiction
films.
THE OBSERVER de Rita Andreetti / dimanche 4 février 20h30 / The Window
THE OBSERVER de Rita Andreetti, Chine / Italie, 78' 2022
Suite aux menaces répétées des autorités, le Festival du film indépendant de Pékin a été fermé. Le gouvernement n'a pas toléré qu'ils diffusent Spark, un documentaire historique incendiaire révélant les violations des droits de l'homme commises lors du Grand Bond en avant. La nouvelle de l'annulation du festival a fait le tour du monde. Qui était l’artiste dont le travail avait poussé le gouvernement au-delà des limites de la tolérance ?
Loin des projecteurs, l'artiste dissident Hu Jie a réussi à réaliser plus de 30 documentaires. Des films comme Bien que je sois parti et À la recherche de l'âme de Lin Zhao sont essentiels pour comprendre l'histoire et la société chinoises et préserver la mémoire de son passé. Largement reconnu comme le premier artiste à avoir osé parler sans filtre de la Grande Famine, des camps de travail et de la Révolution culturelle, Hu Jie est considéré comme le premier documentariste historique de Chine même s'il est sur la liste noire.
Doté de photographies luxuriantes et d'entretiens révélateurs, le portrait sensible de la cinéaste et critique Rita Andreetti, The Observer, explore l'engagement, la ténacité et le courage de Hu Jie, ainsi que les conséquences que cela a eues dans sa vie personnelle. A travers la création non seulement de films mais aussi de gravures sur bois et de peintures, il continue de se battre pour la vérité... mais les musées, galeries et salles de cinéma auront-ils le courage de montrer le travail qu'il réalise ?
Rita Andreetti
Rita Andreetti è nata a Ferrara, nel 1982. Qui, dopo la laurea in DAMS, ha diretto più di dieci cortometraggi proiettati in diversi festival in giro per il mondo. Ha lavorato per lungo tempo per la promozione e il sostegno del cinema indipendente, dando vita a Cronos Film con alcuni colleghi, e alla webzine Indipendenti dal cinema.
Nel 2012 si è trasferita a Nanjing, in Cina. Qui ha scritto per alcuni anni di cultura cinese come blogger, anche collaborando con Vanity Fair. Ha scritto poi di cinema asiatico per Taxidrivers.it, Farefilm.it e Saporedicina.com. È un’attiva supporter del cinema indipendente cinese, in tutte le sue forme e le sue battaglie, e per questo ha collaborato con il China Independent Film Festival fino alla sua definitiva cancellazione, ed è un valido aiuto per i creativi al lavoro su nuovi progetti.
“The Observer” è il suo primo lungometraggio.
DE LA PLANÈTE DES HUMAINS de Giovanni Cioni / dimanche 4 février 22h / The Window
DE LA PLANÈTE DES HUMAINS de Giovanni Cioni, Italie, 83' 2022
Un repérage dans le silence de la frontière de Vintimille, entre Italie et France, devient une fable fantastique, racontée par un chœur de grenouilles, où un savant expérimente une cure de rajeunissement avec des testicules de singe. Le docteur Voronoff a existé, dans les années 1920, sa renommée fut planétaire. Puis l’oubli. Sa villa est au dessus de la frontière – une frontière du silence, comme si les migrants ne devaient pas exister dans cette Riviera féérique à l’éternel printemps.
Giovanni Cioni
« Giovanni Cioni est un cinéaste de la perte de repères. Son regard bouleverse les codes du documentaire. Il brouille les pistes de la réalité et de la fiction. Il élabore de nouveaux espaces, de nouvelles temporalités... » (Carlo Chatrian, avril 2011, Visions du Réel). Giovanni Cioni, cinéaste, a vécu entre Paris où il est né en 1962, Bruxelles où il s’est formé, Lisbonne, Naples et enfin la Toscane où il vit actuellement. Il a étudié la réalisation en cinéma documentaire à l'Université de Paris X et les civilisations africaines à l'Université Libre de Bruxelles. Il initie plusieurs structures de réalisation et de production, Qwazi Qwazi film à Bruxelles, puis en 2005 le Laboratorio Uccellacci en Toscane. Son travail a fait l'objet de plusieurs rétrospectives, dont Visions du Réel à Nyon en 2011 et Annecy Cinéma Italien en 2019. Parmi ses films, sélectionnés et primés dans plusieurs festivals internationaux : Non è sogno (Locarno 2019, Festival dei Popoli 2019), Viaggio a Montevideo (Cinéma du Réel 2016), Dal Ritorno (Cinéma du Réel 2015), Per Ulisse (Visions du Réel 2013, Festival dei Popoli 2013). Son dernier film De la planète des humains a fait sa première au festival de Locarno.
IMAGE OUVERTE
PROGRAMME
RENCONTRES
ATELIERS
EXPO
mercredi 21 et jeudi 22 février
ATELIER
PRENDRE LE TEMPS
avec Fany Boussard
21 février de 10h à 12h /The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
22 février de 10h à 12h /Arboretum - Parc de l'Ecole du Breuil Paris 12
Un atelier intime et sensible sur la Nature, son essence et ce que nous en percevons.
Tout âge (Inscriptions par email - GRATUIT)
vendredi 1 mars
SORTIE D'ATELIER
POINTS DE VUE / IMAGES DU MONDE
à 16h /The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
GRATUIT
Autour de la question : comment aujourd’hui se ré-approprier l’espace public?
Catherine Baÿ et Emmanuelle Bouyer avec ses étudiants de l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture Paris Val de Seine exploreront la performance comme moyen de récit du territoire et comme propulseur de fiction pour imaginer la ville à venir.
Le croisement des pratiques des 2 artistes autour du corps et de l’espace accompagneront les étudiants à investir la rue Gustave Goublier et l’espace The Window dés le 26 février pour produire le 1er mars une performance in situ.
samedi 9 mars
SORTIE D'ATELIER
QU'EST CE QU'UNE EXPOSITION COLLECTIVE? :
de 14h à 19h /The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
GRATUIT
Projet de résidence-exposition des étudiant·es de 4e année de l’ENSAD Paris, option Art-Espace, du 4 au 9 mars. Enseignantes : Kristina Solomoukha et Elisabeth Ballet
Comment définir le « nous » ? Le fait d’agir ensemble ? Qu’est que le « collectif » ? Quelles sont les activités qui pourront permettre de commencer à constituer un groupe ? Ex. : promenade, visite d’expo, séance de lecture collective (arpentage), séance d’écriture collective, préparation d’un repas, une tournée de toast, etc…
du 16 au 31 mars
EXPOSITION
SPACES OF COALESCENCE
exposition collective d'artistes du Royal College of Art
vernissage le 16 mars à 19h
du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
Tlaloc / Contadero
de Carmen Maria Mariscal
Installation vidéo qui se concentre sur le thème de la destruction de l'habitat humain provoquée par le soi-disant « progrès », tout en faisant allusion - toujours d'un point de vue subjectif - au passage du temps et au rôle joué par la mémoire, pour l'être humain.
Mixing Water and Wine: A Phenomenology
de Ahuvia Kahane
Installation performative centrée autour de la « phénoménologie de la coalescence » et autour d'un célèbre objet matériel ancien, le Vase François. Ce vase a été produit à Athènes au 6ème siècle avant notre ère et exporté vers le nord de l'Italie, dans la ville étrusque de Vulci où ses fragments ont été fouillés en 1844 et réassemblés en 1902.
Spaces of transcendence / Tea ceremony
de Osman Yousefzada
Tourné sur des sites de rituels au Pakistan, Spaces of Transcendence (2022) est une histoire d'environnements, de personnages et de gestes. Ici, un langage secret et sa répétition sont déployés pour accéder à un espace de transcendance où les besoins des voix marginalisées sont satisfaits.
Parallel Urbanisms
de Jaspar Joseph - Lester
S'appuyant sur les recherches liées aux urbanismes parallèles, le film est basé sur une promenade commandée pour la première fois par la Whitechapel Gallery pour Nocturnal Creatures 2018. Los Angeles à Whitechapel est réalisé et monté par Ludovica Fales.
"White Gold" Dreams
de Marisa Ferreira
Série de photographies au format carré examinant la matrice du pouvoir qui existe entre les pratiques extractives et l’exploitation des terres. Ce projet en cours cartographie les paysages changeants qui émergent dans les futures mines de lithium de Covas do Barroso, au nord du Portugal, et les présente à différentes échelles.
For Some Time Now ll
de Rachel Garfield
For Some Time Now II fait partie d'une série en cours qui explore les contingences du montage pour forcer de nouvelles significations à partir de l'incohérence ; c'est un plaisir visuel riche et multicouche. La vidéo rassemble des images provenant de divers lieux urbains et ruraux avec des souvenirs et du son tout en se concentrant sur les relations vécues entre les personnes, le lieu et les structures.
samedi 16 mars
PROJECTION et RENCONTRE
à 20h30 /The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
GRATUIT
- Court-métrage Parallel Urbanisms de Jaspar Joseph - Lester.
rencontre avec l'artiste après la projection.
dimanche 17 mars
RENCONTRES
avec une partie des artistes de l'exposition
à The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
GRATUIT
de 11h à 13h
TLALOC / CONTADERO
avec Carmen Maria Mariscal
Une rencontre avec l'artiste, pour découvrir son approche sensible de l'habitat humain et de la mémoire.
de 14h à 16h
MIXING WATER AND WINE : A PHENOMENOLOGY
avec Ahuvia Kahane et James Bradburne
Une rencontre avec l'artiste, pour découvrir son exploration composite et performative des aspects géométriques, géographiques, matériels, temporels, sociaux, culturels, symboliques et historiques de la matérialité conjointe, praxis partagée et phénoménologie des « espaces de coalescence ».
de 17h à 19h
SPACES OF TRANSCENDENCE / TEA CEREMONY
avec Osman Yousefzada
Une rencontre avec l'artiste, pour déchiffrer avec lui les rituels au Pakistan.
samedi 30 mars
ATELIER
BIOPOLITIQUE MOLECULAIRE DANS LES EAUX POLLUEES
avec Georgia Perkins /Royal College of Art
de 18h à 20h /The Window 1 rue Gustave Goublier Paris 10
GRATUIT
Un événement-conversation, qui examine les espaces d'interaction entre liquidité, biopolitique et toxicité.
dimanche 31 mars
ATELIER
DANS UNE TENTATIVE D'EPUISER UN LIEU A PARIS
avec Simon King, Susanne Prinz. /Royal College of Art
de 11h à 15h, balade de Saint-Sulpice à The Window
GRATUIT /inscription obligatoire imageouverte@gmail.com
Une balade inspirée à celle faite par Georges Perec il y a 50 ans, au départ de Saint-Sulpice.
programme ateliers
ATELIERS
PRENDRE LE TEMPS avec Fany Boussard / 21 et 22 février de 10h à 12h / The Window - Arboretum - Parc de l'Ecole du Breuil
Nous arrive-t’il de prendre le temps ?
Prendre le temps de lever la tête et d’observer le ciel, juste au-dessus de nous.
De se promener et de sentir que nous faisons partie d’un tout.
Je vous invite à un atelier intime et sensible sur la Nature, son essence et ce que nous en percevons. Observer les détails et sentir le pouls de notre Terre.
Rejoignons-nous pour discuter de la vie des arbres, pour prendre le temps de les observer, et de les ressentir.
Je vous invite à un atelier en deux parties, ouvert à toutes et à tous, petits et grands.
La première partie se déroulera à la gallerie The Window (1, rue Gustave Goublier - 75010 Paris) le mercredi 21 février à 10h, la deuxième, le jeudi 22 février à 10h entre l’Arboretum de Paris et le parc de l’Ecole du Breuil (Route de la Pyramide - 75012 Paris).
Fany Boussard
Voyageuse dans l’âme, c’est cette constante envie d’ailleurs qui m’a permis de prendre le temps de m’échapper tout en restant ici.
Après avoir travaillé dans l’accompagnement socio-professionnel des personnes éloignées de l’emploi, j’ai entamé un changement de vie et de pratique professionnelle. Plus en lien avec la Nature, son rythme et ses cycles.
BIOPOLITIQUE MOLECULAIRE DANS LES EAUX POLLUEES
avec de Georgia Perkins / samedi 30 mars de 18h à 20h / The Window
Un événement-conversation, qui examine les espaces d'interaction entre liquidité, biopolitique et toxicité. La biopolitique moléculaire étudie la manière dont le corps est régulé à l’échelle moléculaire. Il fait référence à la fois à la modulation continue des sujets par l’auto-optimisation, l’auto-administration, les biotechnologies et l’ingénierie biomoléculaire, ainsi qu’au mécanisme invisible des technologies toxiques qui imprègnent le corps sans le savoir. Le concept de biopolitique moléculaire a été inventé pour la première fois par le sociologue Nikolas Rose dans The Politics of Life Itself (2007), puis développé par le théoricien queer Paul B. Preciado dans Testo Junkie : Sex, Drugs and Biopolitics (2008). Cependant, alors que la biopolitique (moléculaire) a souvent été lue en relation avec la biologie humaine et le « corps molaire », Perkins propose une lecture queer des formes directes et indirectes de contrôle moléculaire sur les corps dans le contexte aquatique. Grâce à son concept de biopolitique moléculaire de la toxicité de masse, elle étudie comment les polluants, les toxines et les sous-produits accidentels déréglementent continuellement les corps aqueux en une entité volatile. Cela inclut les implications plus qu’humaines de la « surdose biopolitique » (Preciado) des anguilles dans la Tamise, en raison des grandes quantités de cocaïne rejetées dans les égouts.
Georgia Perkins
Perkins étudie la biopolitique moléculaire de la toxicité de masse en fonction du nombre croissant d'artistes et de praticiens pour lesquels le politique et le moléculaire sont pensés et pratiqués ensemble de manière nouvelle. Elle étudie l'émergence de pratiques artistiques contemporaines qui traduisent l'action moléculaire en termes sensibles comme moyen de retracer les flux, passages et mouvements invisibles des molécules qui imprègnent la peau, les parois cellulaires et les tissus, dans des corps multi-espèces. Par exemple, elle lit l'exposition The Underlying (2019) d'Ami Clarke sur l'analyse des sentiments en direct de la molécule omniprésente BPA à la galerie Arebyte, comme exemple de la façon dont un artiste réagit à l'omniprésence indéterminée des agents chimiques et des sous-produits qui ne sont pas ressenti de manière directe.
DANS LA TEMPTATIVE D'EPUISER UN LIEU A PARIS, avec Simon King et Susanne Prinz / dimanche 31 mars de 11h à 15h / balade de Saint-Sulpice à The Window
Cette promenade « lente » d'environ 2 kilomètres s'inspire du presque 50e anniversaire des trois jours passés en octobre 1974 par l'écrivain Georges Perec à documenter un itinéraire entre la place Saint Sulpice (6e) et la cathédrale Notre-Dame (4e) à travers un café assis. -méthode d'observation «infraordinaire» ponctuée, sur papier et analogique.(1) Avec un peu de chance, nous rencontrerons certains des lieux et noms de lieux commerciaux mentionnés dans le texte de Perec, notre méthode d'observation ambulante (utilisant à la fois des méthodes de documentation numériques et non numériques) sera rythmée par la discussion (échange dialogique) et, via la collaboration artistique ambulante de l'écrivain King avec l'artiste Corinne Noble (comme N&K), la mise en jeu de « correspondances » temporelles et spatiales à travers des cartes postales anciennes avec un lien avec le temps et le lieu.
Après la marche de Saint Sulpice à Notre-Dame, suscitant des discussions et des enquêtes sur la pertinence durable de la méthode d'observation de Perec dans notre ère post-numérique, Susanne Prinz et Simon King proposent, inspirés par l'éthos du sociologue et urbaniste suisse Lucius Burckhardt, de s'engager dans une démarche collective. réflexion sur l’impact profond du langage sur notre perception et sur la fabrique même des paysages urbains. Plongeons-nous dans nos textes et images personnels qui ont peut-être façonné nos perspectives, enrichissant le discours avec diverses idées et réflexions.
Dans une tentative d'épuisement d'un lieu à Paris, le néologisme «infraordinaire» de Perec ne trouve pas de meilleure explication que dans la suivante : « Un grand nombre, sinon la majorité, de ceux-ci (généralement des lieux d'intérêt historiques à Saint-Sulpice) ont été décrits, inventoriés, photographiés, évoqués ou enregistrés. Mon intention […] était plutôt de décrire le reste : ce qu'on ne remarque généralement pas, ce qu'on ne remarque pas, ce qui n'a aucune importance : ce qui se passe quand il ne se passe rien d'autre que le temps, les gens, les voitures et les nuages. [Georges Perec, (1975) Tentative d'épuisement d'un lieu à Paris, traduit par Marc Lowenthal, Wakefield Press : Cambridge Massachusetts].
SIMON KING est un artiste et écrivain ambulant à la pratique socialement engagée qui enseigne au Royal College of Art et au Central Saint Martins de Londres. Co-fondateur du projet interdisciplinaire « Walkative » au RCA en 2013, il travaille en collaboration depuis 2017 avec l'artiste Corinne Noble pour créer des promenades de groupe qui ont un thème ou un récit global et une méthodologie distinctive : l'utilisation du sens littéral et correspondance métaphorique à travers des éphémères, c'est-à-dire des cartes postales anciennes, des cartes trouvées, des photographies d'archives, des fragments de texte, ainsi que des souvenirs personnels et des spéculations, pour susciter l'engagement et l'interaction avec les marcheurs participants.
Simon est un chercheur postuniversitaire basé sur la pratique à Birkbeck, Université de Londres, dont les recherches portent sur les infrastructures de la pratique créative et critique en relation avec la marche, le dialogue et l'engagement social.
SUSANNE PRINZ est commissaire d'exposition et écrivaine basée à Berlin. Elle a étudié l'histoire de l'art, les études américaines et la politique à l'Université de Leipzig et à la Ludwig-Maximilians-Universität de Munich. Après plusieurs années d'expérience dans le monde de l'art commercial et en tant que commissaire indépendante, elle est actuellement directrice du Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz e.V. (Berlin). Depuis son déménagement en 2010, elle a présenté une programmation de plus de 100 expositions et événements. Elle se concentre particulièrement sur l’art dans le domaine public et l’art temporel. Les projets les plus récents dans ou pour le domaine public étaient Flagge Zeigen / Showing True Colors (http://infectedlandscapes.eu/ ), l'Activist Neuroaesthetics Festival (https://activistneuroaesthetics.art/) et la mise en œuvre de Native Tongue XR par New L'artiste d'Aotearoa (NZ) Gill Gatfield dans le métaverse et la réalité.
En plus de son travail de commissaire d'exposition, elle a enseigné dans les académies d'art de Berlin, Kassel, Salzbourg, Linz et Montpellier.
EXPOSITION /SPACES OF COALESCENCE
TLALOC / CONTADERO de Carmen Maria Mariscal / rencontre avec l'artiste dimanche 17 mars de 11h à 13h / expo du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
Tláloc/Contadero, une série de Carmen Mariscal, se concentre sur le thème de la destruction de l'habitat humain provoquée par le soi-disant « progrès » tout en faisant allusion - toujours d'un point de vue subjectif - au passage du temps et au rôle joué par la mémoire pour l'être humain, poursuivant ainsi l'approche thématique sur laquelle l'artiste travaille depuis plusieurs années. Mariscal, en accord avec l'exposition présentée ici, considère le corps comme premier habitat de l'être humain, suivi par les vêtements qu'il porte. , ainsi que leurs maisons, villes et espaces publics qui les contiennent.
Le projet Tláloc/Contadero de Mariscal est composé de vidéos et de photographies sur sa rencontre avec le processus de destruction subi par la maison de sa famille pendant son enfance à Mexico. On y voit sa confrontation avec un bulldozer et son creusement manuel des débris restants, ce qui donne lieu à une réflexion extrêmement émouvante sur le passage du temps, lié précisément à l'habitat de la ville.
Carmen Maria Mariscal
Carmen Mariscal est une artiste franco-mexicaine et doctorante au Royal College of Art de Londres.
Sa pratique transdisciplinaire explore les traces de mémoire dans les habitations. Il s'agit notamment du corps, qui est le premier habitat de l'homme, suivi de ses vêtements, de son habitat, de ses espaces publics et de ses villes. Ses recherches récentes portent également sur l'entropie et la ruine dans l'architecture mexicaine. Ces thèmes s'expriment à travers la photographie, la sculpture, le son, l'image en mouvement, la scénographie de théâtre et l'installation.
Carmen Mariscal a remporté la première place au 4e concours national d'installation au Mexique et a été sélectionnée pour la Biennale de Monterrey et d'autres concours. Ses travaux publics incluent El Pueblo Creador, Expo Hannover 2000, Innata, Luxembourg-Ville et Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris.
Son travail a été exposé dans des lieux publics et privés au Mexique, aux États-Unis, en Espagne, en France, en Angleterre, en Belgique, au Portugal, en Allemagne, aux Pays-Bas, au Luxembourg, en Malaisie et en Russie.
Mariscal est titulaire d'une maîtrise en arts visuels de la Winchester School of Art en Angleterre, étudie au Graduate Diploma Program Advanced Painting du Central Saint Martins College of Art and Design de Londres et d'un BA en histoire de l'art de l'Universidad Iberoamericana de Mexico.
MIXING WATER AND WINE : A PHENOMENOLOGY de Ahuvia Kahane / rencontre avec l'artsite et avec James Bradburne le dimanche 17 mars de 14h à 16h / expo du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
Ce projet est une installation performative centrée autour de la « phénoménologie de la coalescence » et autour d'un célèbre objet matériel ancien, le Vase François, exposé dans une salle spéciale du Musée Archéologique de Florence, et Le Vase François est un cratère à volute, un grand ( 66 cm.) bol pour mélanger l'eau et le vin avec des poignées en forme de volute. Ce vase a été produit à Athènes au 6ème siècle avant notre ère et exporté vers le nord de l'Italie, dans la ville étrusque de Vulci où ses fragments ont été fouillés en 1844 et réassemblés en 1902. Le vase représente 290 scènes détaillées de la mythologie grecque accompagnées de 120 les inscriptions. Le projet s'appuie sur la sémantique de base du « mélange » de François Vase (littéralement – un mélange d'eau et de vin) et vise une exploration composite et performative des aspects géométriques, géographiques, matériels, temporels, sociaux, culturels, symboliques et historiques de la matérialité conjointe. , praxis partagée et phénoménologie des « espaces de coalescence ».
Ahuvia Kahane
Ahuvia Kahane est un universitaire britannique travaillant en Irlande, spécialisée dans l'étude de l'antiquité grecque et romaine, de ses traditions et des relations entre le monde antique et la culture et la pensée modernes. Kahane est le 17e professeur Regius de grec à Dublin, professeur A. G. Leventis de culture grecque (2017)[1] et membre du Trinity College de Dublin.[2] Il est également associé principal au Centre d'études hébraïques et juives d'Oxford à l'Université d'Oxford. Le travail de Kahane aborde les questions de forme et de contenu, de continuité et de changement, d'autorité et d'éthique de la réflexion littéraire. Il a contribué à l'étude de l'Antiquité gréco-romaine et de l'épopée grecque primitive, de l'oralité et des traditions orales, de l'histoire littéraire, de la poésie et de la poétique modernes, de la culture visuelle et de l'art moderne, des études hébraïques, de la lexicographie, de la sociologie et de l'anthropologie de la traduction et des études de traduction.
JAMES BRADBURNE, qui participera aussi à la rencontre avec l'artiste ,
est un architecte, designer et muséologue anglo-canadien. Il a conçu des pavillons d'expositions universelles, des parcs scientifiques et des expositions d'art internationales. Il a fait ses études au Canada et en Angleterre, diplômé en architecture de l'Architectural Association et titulaire d'un doctorat en muséologie de l'Université d'Amsterdam. Au cours des trente dernières années, il a réalisé des expositions et organisé des projets de recherche et des conférences pour l'UNESCO, des gouvernements nationaux, des fondations privées et des musées dans de nombreuses régions du monde. De 2006 à mars 2015, il a été directeur général de la Fondazione Palazzo Strozzi. Depuis octobre 2015, il est directeur général de la Pinacothèque de Brera et de la Bibliothèque Braidense de Milan.
SPACES OF TRANSCENDENCE / TEA CEREMONY de Osman Yousefzada / rencontre avec l'artsite le dimanche 17 mars de 17h à 19h / expo du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
Tourné sur des sites de rituels au Pakistan, Spaces of Transcendence (2022) est une histoire d'environnements, de personnages et de gestes. Ici, un langage secret et sa répétition sont déployés pour accéder à un espace de transcendance où les besoins des voix marginalisées sont satisfaits. Au centre du terrain et reconnus comme véhicules d'accès à un autre royaume ou au divin, se trouvent les Fakir/Yogi (épouses de Dieu), la Khawaja Sara (une personne transgenre) et l'homme féminin (distinct d'une Khawaja Sara). Sanctuaires/cimetières, alams (pennon/drapeaux), rituels de bain, mouvements des mains et du corps et teinture du tissu et de ses fibres sont la toile de fond de cette magie transformatrice.
Osman Yousefzada
La pratique d’Osman s’articule autour des modes de narration, fusionnant l’autobiographie avec la fiction et le rituel. Son travail s'intéresse à la représentation et à la rupture de l'expérience migratoire et fait référence aux enjeux sociopolitiques d'aujourd'hui. Ces thèmes sont explorés à travers des images en mouvement, des installations, des œuvres textuelles, des sculptures, des confections de vêtements et des performances.
Yousefzada est chercheur au Royal College of Art de Londres et chercheur invité à l'Université de Cambridge. Son travail a été exposé dans des institutions internationales, notamment : Whitechapel Gallery, Londres ; Ikon Gallery, Birmingham (solo 2018) ; Museum of Contemporary Art, Sydney, V&A (solo 2022) : Wapping Project, Londres ; Musée d'art de Cincinnati, Ohio ; Musée Ringling, Floride ; Musée de Lahore, Pakistan ; Musée du Design, Londres ; Biennale de Lahore, Pakistan ; et Sommet de l'art de Dhaka, Bangladesh.
La pratique artistique contemporaine de Yousefzada a été décrite comme « provocante », dans laquelle les corps participants tout au long de son œuvre sont présentés comme des objets partiels qui refusent de s'identifier ou de se conformer. Plus récemment, sa série d'interventions solo intitulée What Is Seen & What Is Not a été présentée au Victoria and Albert Museum de South Kensington, Londres. À travers trois œuvres in situ, cette commission a répondu au 75e anniversaire de l'indépendance du Pakistan et a exploré les thèmes du déplacement, du mouvement, de la migration et du changement climatique. Par ailleurs, Yousefzada a été invité à exposer à la 60e Biennale de Venise en 2024, une exposition personnelle organisée par le V&A et la Fondazione Berengo au Palazzo Franchetti.
Dans son premier livre, The Go-Between (2022), qui se déroule à Birmingham dans les années 1980 et 1990, les masculinités alternatives rivalisent avec les rôles de genre stricts tandis que l'effacement des femmes et la violence fondée sur l'honneur sont commis, même si les amitiés féminines autonomisantes prédominent. Ce livre a longtemps été sélectionné pour le prix Polari, remportant le prix des mémoires Slightly Foxed et évalué par Stephen Fry comme « l'un des plus grands mémoires d'enfance de notre époque ».
PARALLEL URBANISMS de Jaspar Joseph - Lester / rencontre avec l'artiste après la projection de son court le samedi 16 mars à 20h30 / expo du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
S'appuyant sur les recherches liées aux urbanismes parallèles, le film est basé sur une promenade commandée pour la première fois par la Whitechapel Gallery pour Nocturnal Creatures 2018. Los Angeles à Whitechapel est réalisé en collaboration avec Ludovica Fales et monté par Federico Frefel.
Découvrez un circuit voyageant dans le temps à travers les paysages sociaux, architecturaux et médiatiques de ce quartier texturé et turbulent de l'Est de Londres. Le film suit l'artiste Jaspar Joseph-Lester et l'écrivain Simon King alors qu'ils explorent des éléments de Los Angeles dans l'East End de Londres. Les contributions de l'artiste Osman Yousefzada établissent des liens avec son travail dans l'exposition Life Is More Important Than Art.
Le film adopte à la fois une perspective historique (en se concentrant sur Le Peuple des Abysses de Jack London publié en 1903) et une analyse plus contemporaine, en se tournant vers des images du futur comme moyen de considérer comment Los Angeles existe au plus profond de Whitechapel et de Londres en général.
Jaspar Lester-Jones
Jaspar est un artiste basé à Londres, dont le travail explore le rôle que jouent les images dans l'urbanisme, l'espace social et la pratique quotidienne.
Ses intérêts de recherche se situent entre la création artistique, le commissariat et l'écriture et s'inspirent des domaines de l'architecture, du design, des études urbaines, de la géographie humaine, de la philosophie, des études cinématographiques et médiatiques, de la théorie spatiale et de l'économie. Ici, il s'est concentré sur les cadres idéologiques contradictoires incarnés dans les représentations de la modernité, du renouvellement urbain et de la régénération afin de mieux comprendre comment la pratique artistique peut redéfinir le cycle successif de plans directeurs et de programmes de régénération qui déterminent la vie culturelle de nos villes. Une grande partie de son travail récent a pris la forme d'imprimés (essais photographiques, guides urbains collaboratifs et publications éditées). Depuis 2000, Joseph-Lester a participé à une série d'expositions internationales organisées ; est l'auteur, le co-auteur et l'éditeur d'un certain nombre de livres et d'articles publiés pour des revues ; et a joué un rôle de premier plan dans l'organisation de conférences internationales, de colloques et d'un certain nombre d'autres événements publics. La clé de ce travail est le développement de plateformes et de cadres pour l’art qui contribuent au développement de nouvelles façons de penser les expériences sociales et de vie pour l’avenir. Cette recherche à long terme a conduit à être invité à devenir chercheur principal sur le projet Horizon 2020 SPACEX.
"WHITE GOLD" DREAMS de Marisa Ferreira / du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
C-Print sur papier
145 x 145 x 3 cm, chacun 45 x 45 x 3 cm/photo 40 x 40 cm
Édition de 3
2024
« White Gold » Dreams est une série de photographies au format carré examinant la matrice du pouvoir qui existe entre les pratiques extractives et l’exploitation des terres. Ce projet en cours cartographie les paysages changeants qui émergent dans les futures mines de lithium de Covas do Barroso, au nord du Portugal, et les présente à différentes échelles. Depuis l'imagerie aérienne et par drone, les rencontres sur le site et l'analyse d'objets jusqu'aux images prises au microscope, la série cherche à étudier comment la dépossession du lithium par de puissantes sociétés nationales et multinationales est imposée par leurs hypothèses sur l'environnement.
l’environnement et comment les humains et plus que les humains y sont liés.
MARISA FERREIRA
Biographie
Marisa Ferreira (née en 1983, Portugal), vit et travaille entre Oslo, Londres et Guimarães. Avec une formation en arts visuels et en art dans l'espace public, Marisa est actuellement candidate au doctorat FCT au Royal College of Art de Londres avec le titre de sa thèse : « Waste Matter. L'art public et la (im)matérialité de la mémoire post-coloniale », et membre chercheur de SpaceX - Spatial Practices in Art and ArChitecture for Empathetic EXchange.
Son travail s'inspire des souvenirs d'enfance d'une naissance dans un contexte de perte et de déclin industriel qui a caractérisé les années 1980 dans le nord du Portugal, et se concentre sur les ruines industrielles et les processus de désindustrialisation qui ont eu lieu au lendemain de l'empire portugais. Grâce à la pratique et
Méthodologies interdisciplinaires, les travaux récents étudient l'intersection entre le colonialisme et l'Anthropocène pour discuter des thèmes du gaspillage, de l'entropie, de l'espace, de la justice, de la crise climatique et de l'extractivisme.
Son travail fait partie de collections d'art nationales et internationales, telles que Louis Vuitton Art Collection, Norlinda et José Lima Art Collection, Stavanger KunstMuseum, les autorités fiscales norvégiennes, REV Ocean, ConocoPhillips, Deloitte, Wintershall et Messmer Foundation. Marisa est membre de l'Association norvégienne des artistes (NBK), de l'Association norvégienne des sculpteurs (NBF) et de la Royal Society of Sculptors du Royaume-Uni.
FOR SOME TIME NOW ll de Rachel Garfield / du 16 au 31 mars du mercredi au dimanche de 18h30 à 20h / The Window
For Some Time Now II fait partie d'une série en cours qui explore les contingences du montage pour forcer de nouvelles significations à partir de l'incohérence. Il s'agit d'un plaisir visuel riche et multicouche. La vidéo rassemble des images provenant de divers lieux urbains et ruraux avec des souvenirs et du son tout en se concentrant sur les relations vécues entre les personnes, le lieu et les structures. Le film explore les formes et les textures de la vidéo à travers différentes générations de caméras et de médias et des rythmes fracturés de montage, des plans fixes et à main levée, des images floues et distinctes.
Rachel Garfield est une artiste et écrivaine dont le travail s'intéresse au rôle des relations vécues dans la formation et les intersections des subjectivités.
Le professeur Garfield est responsable du PGR et président du groupe de développement de la recherche à l'École des arts et des sciences humaines, qui élabore une stratégie et soutient la recherche à l'École.
Garfield expose régulièrement à l'échelle nationale et internationale. Elle a publié les monographies Women, Experimental Filmmaking et Punk: Feminist Audio Visual Culture in the1970s and 1980s (Bloomsbury, 2022) dans son deuxième tirage, nominé pour le prix Krazna-Krausz (2022), et Dwoskino: The Gaze of Stephen Dwoskin, Éditions LUX 2022, co-édité avec Henry K Miller.
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